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Recuerdan cuando la economía global floreció. Los precios de todo se doblaron. Las propiedades, el petróleo estaba a 147 dólares al barril. Había más de mil fortunas que superaban los mil millones de dólares y seguían subiendo. La economía mundial estaba llena de burbujas, pero había una burbuja mayor que todas las demás: el arte contemporáneo.
Por 77 millones de dólares, gracias. Esta pintura china costó nada menos que 6 millones de dólares. Un reluciente corazón colgante alcanzó los 23 millones y medio y un Andy Warhol se vendió por 72 millones de dólares. En aquellos días, las pinturas con mariposas de Damien Hirst alcanzaban precios de hasta 9 millones de dólares y cientos de coleccionistas las compraron.
Tengo que decir que lo he pasado como nunca. Lo que estamos viviendo es una edad dorada, muy similar a la del cambio del siglo pasado. Creo que deberemos pagar mil millones de dólares por una obra de arte en esta década. Incluso cuando la economía mundial empezó a colapsarse, el mercado del arte contemporáneo seguía en alza. Los precios eran absurdos y obscenos. Los multimillonarios lo habían convertido en un juego al que solo ellos podían jugar y sus reglas eran un misterio.
Así que me pasé un año intentando averiguar por qué la burbuja del arte contemporáneo era la mayor, la más duradera y la más burbujeante de todas.
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Me llamo Ben Lewis y este es mi coche eléctrico. Siempre me ha gustado el arte contemporáneo. En las paredes de mi casa tengo cuadros modernos y mis estanterías están llenas de catálogos de exposiciones, pero siempre había soñado con conducir una obra de arte. Así que convencí a uno de los artistas más destacados de Alemania para que convirtiera mi sueño en realidad.
Aquí hay un bulto. Si debería haber otro detrás. Y aquí está Tobias Rehberger. Es famoso por su combinación del diseño y el arte conceptual. Ha expuesto en Viena, L.A. y museos de todo el mundo.
Intentaremos que parezca como si fueran grandes defectos. ¿Te gusta trabajar con los defectos, verdad? Sí, así es. Todo lo posible. Si normalmente son la parte más interesante de las cosas. Antes de venir aquí, Tobias me mandó por email dibujos de cómo quería que se modificara la carrocería del coche con bultos asimétricos.
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Encontré un taller con mecánicos de espíritu artístico y se pusieron a trabajar. Me preocupaba un poco que los bultos no parecieran bien. No solo quería que pareciera un poco contrahecho, nada más, nada demasiado evidente, casi como si fuera una deformación visual o algo así.
Ahora vamos a ver qué podemos hacerlo para mí. Esto era un ejemplo de buen arte. Era colorista o ingenioso. ¿Pero quieres deportiva o la versión más elegante? ¿Deportiva? Yo soy muy deportivo. Vale. Te enseñaba a ver el mundo de una nueva forma. Y todos estos productos industriales que nos rodean son un poco aburridos y tristes en cierto sentido. No por eso la gente se pinta sus radiocasettes para convertirlos en objetos individualizados.
Escribo sobre arte contemporáneo para periódicos británicos. Mis críticas suelen ser entusiastas, pero no me gustaba lo que estaba pasando en el mercado del arte contemporáneo y también escribí sobre eso. Gran parte del nuevo arte se producía en masa, era repetitivo y comercial. Los coleccionistas lo compraban como inversión y lo amontonaban en almacenes. Sobre lo único que se escribía en los periódicos era sobre el nuevo precio récord y los privilegios especiales que nuestra sociedad otorga al arte y a los artistas. Estaban siendo explotados por algunos de los hombres más ricos del mundo para hacer aún más dinero.
Los mejores artistas estaban de acuerdo conmigo. Está genial. Me gusta. Cuando ves lo que está pasando, lo ves. Esa subasta es de mi gesto o Warhol. ¿Qué piensas? Eso es bueno o malo para el arte. Creo que el peligro es más la forma en que la gente especula con el arte. Es darle un mal uso de alguna forma. No está hecho para eso.
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Tobias me había regalado esta obra de arte, pero con una condición: que no la vendiera. El mundo del arte era manifiestamente hermético y yo sabía que sería difícil investigarlo, pero al menos ahora no desentonaría. Empecé a investigar el mercado del arte contemporáneo. Aquí, sobre Sotheby's, se está celebrando la mayor subasta de arte contemporáneo de su historia. Todavía faltan seis meses para el derrumbamiento financiero, pero las noticias económicas ya son malas. El mercado inmobiliario estadounidense se ha colapsado y los bancos han eliminado activos por miles de millones de dólares en deudas. Pero en esta sala es como si no hubiera pasado nada de eso.
Seis millones y media o siete millones. Siete millones y medio. Ocho millones. A ocho millones y medio. Nueve millones. Nueve millones y medio. Diez millones. Diez millones y medio. En esta sala y sentados, cientos de coleccionistas, galeristas, marchantes y asesores artísticos han venido a comprar arte contemporáneo, arte producido a partir de 1945. Ahora mismo, el sector más caliente del mercado. La definición de arte contemporáneo es muy amplia. Incluye algunos de los grandes nombres del arte de los últimos 50 años, artistas que ya han muerto y tienen una fama establecida como Rothko o Warhol, y artistas que siguen vivos y produciendo obra como Damien Hirst, Jeff Koons. Pero vivos o muertos, los precios de las obras de todos ellos se han multiplicado muchas veces.
No era un modelo. La puja está en la sala, junto al pasillo, y son 21 millones de dólares. Usted dirá. Agregó. Sí, 21 millones de dólares por una pintura de un solo color. 23 con las comisiones. Es mucho, aunque el color sea dorado. Bueno, el azul es un poco más barato. 15 millones y medio. Y el rosa, un chollo, vendido por 4 millones 200 mil dólares.
Algunos compradores alzan la mano para pujar por el arte en venta. Otros prefieren ofrecer sus millones anónimamente por teléfono, con la ayuda del equipo de ventas de la casa de subastas. Hace solo un mes, el Fondo Monetario Internacional hizo público que las pérdidas de la crisis crediticia ascenderán a 3 mil millones de dólares. El cálculo se quedó más que corto, pero aquí piensan que los buenos tiempos no se van a terminar nunca. Que esa es la puja que quería ver. Y es de 642. Gracias.
El arte contemporáneo es el estilo de vida elegido por nuestra generación. ¿No es maravilloso saber dónde viven los coleccionistas? Además, el arte contemporáneo también encaja con los espacios en los que vivimos. Estos grandes lofts del siglo XXI en Manhattan necesitan obras de arte hermosas y grandes. Hola, hola. Ola Murakami. Y todavía se pueden comprar obras maestras de arte contemporáneo. Todavía están a la venta. No se pueden comprar impresionistas y arte moderno ni obras de maestros clásicos tan fácilmente como las de arte contemporáneo. Wenger moderna. Así que tenemos toda esta serie de cosas que han coincidido y tenemos una situación en la que hay grandes artistas en activo con esto. E.g. Damien, de Mangle, Brown, Matthew Barney. Matthew Barney. Entonces, ¿usted piensa que estamos viviendo como un nuevo Renacimiento? Creo que se pueden hacer muchas comparaciones entre la Florencia del siglo XVI y la época que estamos viviendo ahora, porque aquel también fue un tiempo de gran riqueza, de innovación. Dios mío. Guau. Esta es la habitación de mi hijo.
Y no se trata solo de los coleccionistas ricos. La relación del público con el arte contemporáneo se ha transformado. Antes tenía una actitud de recelo y desprecio, pero las visitas a los museos se han disparado. Actualmente, en el Reino Unido, va más gente a galerías de arte que a partidos de fútbol. Creo que eso es una buena noticia, pero al mismo tiempo, el arte se ha comercializado más que nunca. Se ha convertido en una mercancía del siglo XXI.
¿Ha habido algún momento en que haya pensado: "10.000, los precios están descontrolados"? ¿Sabe a qué me refiero? No es a mí a quien debería preguntar, porque yo vivo el arte muy apasionadamente. Así que siempre he creído que este arte que se ha hecho a partir de la Segunda Guerra Mundial no tiene nada que envidiar al de ninguna época de la historia del arte. Y muchas de las grandes ventas que se han hecho recientemente han sido de maestros de esta época, y eso es algo que no debemos olvidar.
Estaba de acuerdo con Franz y Sub-recta hasta cierto punto, pero no me parecía que sus argumentos explicaran la escalada de precios, ni tampoco me parecía que los artistas más caros fueran necesariamente los mejores. De hoja final. 77 millones de dólares. ¿Nadie más de acuerdo? Gracias. Para ti. Gracias. Hola. 77 millones de dólares.
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La increíble ascensión del arte contemporáneo comenzó hace 10 años. Coleccionistas como Charles Saatchi crearon el patrón en los años 90. Se compró jóvenes artistas británicos como Damien Hirst y Tracey Emin. Los expuso en su galería y en museos y vendió parte de la obra como negocio. Con el amanecer del nuevo siglo, docenas de nuevos ricos coleccionistas siguieron su ejemplo. Y en 2003, ya había una tercera generación de nuevos multimillonarios de fondos de riesgo en activo. Pagaban millones por Warhols, Hirst y por la serie de vaqueros de Richard Prince, anuncios de valor simplemente fotografiados y enmarcados por el artista.
Creo que la gente tiende a buscar lo más nuevo, lo mejor, lo más moderno. Sabe, algunos de los galeristas que conozco reciben llamadas de fortunas de inversores que siempre preguntan: "¿Qué es lo último? ¿Qué es lo más nuevo? ¿Qué es lo que busca todo el año?". Ese es el juego. Así es ahora el juego. Y eso no está mal, porque bueno, el arte se ha convertido en una mercancía como otras muchas cosas. La única diferencia es que puedes tener contigo esa mercancía, puedes utilizar los dos. Puedes usarla para socializar. Gracias. Tu estatus, cierto tipo de posición.
Hace dos años, los magnates rusos y los jefes del petróleo se unieron a la fiesta y los precios enloquecieron aún más. Un oligarca georgiano con una fortuna de seis mil millones de dólares pagó 50 millones por este Picasso. El magnate ruso Roman Abramovich, propietario del Chelsea FC, entonces poseedor de una fortuna de 12 mil millones de dólares, compró este Francis Bacon por 86 millones. Y entonces la familia real de Qatar, con una fortuna millonaria, compró un Damien Hirst por 20 millones y un Rothko por 73.
Para mí, este es un momento histórico. Cuando pienso en los grandes industriales americanos, Rockefeller, Carnegie, los Ford, lo que hacían a principios del siglo XX es lo mismo que están haciendo ahora los oligarcas y multimillonarios internacionales. Y creo que esto puede seguir subiendo. ¿Lo creo? Sí. ¿De verdad? Claro. Creo que hay más gente a nivel internacional que tiene la capacidad, los medios y el interés necesario para querer coleccionar esos trofeos icónicos. Y por eso intentan adelantarse unos a otros y hacen subir los precios más y más, porque quieren esos objetos y los quieren ya.
En 2008, la economía mundial empezó a contraerse por el impacto de la crisis crediticia, pero el mercado del arte siguió adelante y siempre hacia arriba. Había un nuevo paradigma. Se pensaba que el arte contemporáneo era inmune a las fuerzas económicas externas. Y la gente se siente más segura teniéndolos en las paredes. Y hay mucho dinero ahí fuera. Muchas de esas personas fueron muy inteligentes y hace unos años vieron venir esta crisis o recesión o como quiera llamarlo. Acumularon un líquido y ahora están sentados en una montaña de dinero y no saben qué hacer con él.
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Pero había gente que pensaba que la escalada de precios del arte contemporáneo se debía a algo más que a las nuevas fortunas y a los supuestamente grandes artistas. Vine a Nueva York a ver cómo se hacían los negocios en el mundo del arte. Los comentaristas del mercado artístico decían que las estrategias de los marchantes también jugaban su papel en la escalada de los precios.
Entonces, señor, su puja es de un millón ochocientos mil dólares. La puja está hecha. Había ciertas prácticas que provocaban polémica. Se decía que galeristas, coleccionistas y marchantes mantenían los precios de los artistas a los que representaban o cuya obra poseían en grandes cantidades. Estaba entrevistando a un importante tratante de arte en su galería y me dijo: "Disculpe un momento". Yo dije: "Claro". Y él fue al teléfono, lo descolgó y empezó a hablar con uno de sus empleados que estaba en una casa de subastas. Y se estaba celebrando una subasta en la que se vendía la obra de uno de los artistas que representaba. El caso es que empezó la subasta de una de sus obras y dijo: "Le sube, sube, sube". Y basta. Y colgó el teléfono. Me explicó que pujaba habitualmente por obras de aquel artista para asegurarse de que se vendían bien en las subastas.
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Decidí ir a hablar con los coleccionistas millonarios sobre estas prácticas. Este es el apartamento de José Muygrave. Es el mayor marchante de obras de Andy Warhol. Tiene 800 obras suyas. Él y sus hijos han construido la fama y el valor de Warhol de dos formas diferentes. Por un lado, han prestado obras a docenas de exposiciones en todo el mundo. Pero por otro, se les acusa de haber sostenido e incluso de haber hecho subir los precios de Warhol en las subastas. José Muygrave accedió a hablar conmigo de esto.
¿Cómo se establece un nivel de precios para un artista como Warhol? Es muy sencillo. Si tienes una obra y piensas que su precio es de X, y entonces alguien paga 110, el precio pasa a ser de 110. Este artículo dice que usted decidió hacer subir los precios de los "Yakis". Empecemos a comprar "Yakis" a 30, 40 mil dólares, y seguimos comprando "Yakis" por 100, y seguimos comprando "Yakis" por 300, y luego por 500, y por un millón. Y compramos un "Yaki" por 2 millones. Como le decía, es muy sencillo. El precio de mercado en aquel momento era de 2 millones, así que pagamos 2 millones.
Se dice que usted protege los precios de los "Barcos". ¿Eso significa algo? ¿Qué quiere decir "proteger"? Le he dicho desde el principio que este es mi artista favorito. Este es mi artista. Esto es algo que amo. Es mi pasión. ¿Qué quiere decir que si protejo los precios? No protejo a nadie. Me protejo a mí mismo porque amo a este artista.
El mercado del arte era más complicado de lo que pensaba. José Muygrave, y parecía aceptar que hacía subir los precios, pero me había dicho que solo lo hacía por amor al arte.
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Intentaré investigar el mercado del arte. Era agotador. Aquella noche soñé que era José Muygrave. Estaba en su apartamento y estaba diciendo: "¿Por qué no voy a pagar por un Warhol más que nadie si es lo que más deseo?". Entonces me habló Marilyn y me dijo: "A veces un hombre puede tener demasiado de algo bueno". Entonces me desperté.
Empezaba un nuevo día. Tenía una cita con el hijo de José, Alberto, y con otro coleccionista multimillonario, el magnate inmobiliario de Nueva York, Aby Rosen. Estaban haciendo negocios juntos. Primero me enseñaron sus oficinas. ¿Qué tenemos aquí? Un par de retratos. Estos son de los que estábamos hablando. La serie de celebridades. La serie de celebridades o de personas que querían ser vistas como celebridades, aunque algunas no lo consiguieran. Gavin Turk tiene algo de la idea Warholiana, ¿sabe? Caras grandes, plata, blanco y negro. No quiero ser presuntuoso, pero yo, que usted, no compraría muchos "Che Guevara". ¿Por qué? El Che Guevara está demasiado cerca de la obra de otros artistas. Eso está bien. Esto es de Webster and Novel. En realidad, son autorretratos de ellos mismos con el cuerpo como tatuado. Cuando tengo el día muy cínico, me preocupa que el león sea como el sándwich de queso del arte contemporáneo. Por mí, no hay problema. Un buen sándwich de queso no es nada malo, y más si es fundido. Este es de 37. Ya sabe, una buena obra. La gente como tú necesita. ¿Hay algo más por aquí? O tienen un par de armarios de medicinas. Tenemos un par de armarios de medicinas de nuestro buen amigo de ninguna vez. Más en este despacho hay una escultura de Koons. ¿Qué es? Una preciosidad. Aquí hay un cuadro excelente de Richard Prince. Es uno de los nuevos. Sí, es uno de los nuevos. Han debido de comprarlo hace muy poco. Sí, es bastante reciente. Me encanta Richard Prince. Es un gran pintor. Es un cuadro fabuloso. Muy bueno. ¿Qué es lo que le gusta de este cuadro? Me encanta la ligereza que tiene y el color y las formas y las manos y las piernas. Vamos, mírelo bien. Es una verdadera maravilla.
Además de inflar los precios, también se acusaba a ciertos marchantes de abusar de su posición de dominio del mercado. En muchos mercados hay leyes que impiden poseer tal cantidad de algo que se pueda influir en los precios. Es lo que se llaman prácticas monopolistas. En los 90, un operador japonés fue juzgado por poseer un 5% de las existencias mundiales de cobre. Los moderados poseían un 9% de los Warhols más importantes. Aby Rosen, el dueño de un 1% más. Pero en el mercado del arte no hay normas contra las prácticas monopolistas.
Y hace esta comparación. La gente suele comparar y dice: "En el mercado del arte, sí, pueden hacer cosas que jamás se podrían hacer en los mercados con materias primas, en los mercados financieros". Mire lo que está pasando con el mercado del petróleo. Vamos a ese tipo de especulación. Existe en todas partes. El mismo tipo de especulación se da en el mercado del arte. Igual que pasa en eso, ocurre en todos los mercados. Pasa en todos los mercados. Es algo general. No está permitido que uno tenga el 10% de las reservas de cobre del mundo. Si uno es... Pero hay gente que lo hace. Hay gente que tiene el 10% de las reservas de cobre. Y hay gente que tiene, que controla el mercado de los bienes de lujo. Gente que controla la industria aeronáutica. Hay gente que controla muchas industrias. No están controladas exclusivamente por ciertas personas, pero hay momentos en las industrias en que hay gente que tiene un mayor control que en otros. Todo el mundo ha estado diciendo que seis, siete u ocho personas están monopolizando y manipulando el mercado de Warhol. Es bonito imaginarlo, pero en realidad eso no es posible. Hay demasiada obra ahí fuera.
Había aprendido que los coleccionistas de arte tenían la habilidad de admitir y negar las cosas al mismo tiempo. Pero había algo de malo en dominar el mercado del arte. Desde luego, no era ilegal, pero solo el tiempo diría si esto había inflado los precios hasta niveles insostenibles.
Pero no es sostener los precios en un artista, porque al fin y al cabo sigues teniendo que pagar por estas cosas, ¿entiende? Así que solo puedes vender y hacer las cosas con inteligencia. No vas a comprar un cuadro por tres veces su precio solo para elevar el precio de mercado. Por otra parte, tienes un mercado, pero tampoco quieres dejar que baje su valor.
Las casas de subastas también estaban contribuyendo a la escalada de precios del arte contemporáneo a través de sus prácticas comerciales. El mercado del arte ya había experimentado una ascensión similar. Estos son los Nenúfares de Monet. En 1987, este cuadro se vendió por un precio récord de 53,9 millones de dólares. Pero el comprador no habría podido pujar tan alto si Sotheby's no le hubiera prestado la mitad del precio final. A consecuencia de la controversia que provocó este hecho, la Asamblea del Estado de Nueva York realizó una investigación sobre el mercado del arte. Y ahora voy a conocer al hombre que la dirigió.
Tuvo que ver con la subasta del cuadro de Van Gogh, los Nenúfares. Que había un australiano, Alambón, que tenía unos 25 millones de dólares y un señor japonés que tenía unos 50 millones. Lo que significa que el cuadro se debería haber vendido por unos 26 millones. Pero Sotheby's decidió prestar al señor Bond otros 26 millones y el resultado fue una tremenda burbuja en los costos y precios del impresionismo francés. Esta burbuja se creó por la decisión de Sotheby's de prestar dinero a uno de los dos postores, sabiendo que al hacerlo se dispararía el precio. No me parece nada ético.
Tras la investigación del Estado de Nueva York, Sotheby's dejó de hacer este tipo concreto de préstamos, pero 20 años después, las casas de subastas seguían ofreciendo otros tipos de crédito. La documentación presentada por Sotheby's mostró que sus préstamos se habían duplicado desde 2005. Si el mundo del arte está... no le preocupaba al mundo financiero. Sí.
En 2008, las acciones de Sotheby's cayeron un 80% respecto a su valor máximo de octubre de 2007. Un inversor apareció en una cadena de televisión para hablar del paquete de Sotheby's que vendía "vengo a la baja". Las acciones de Sotheby's. Sotheby's. Siempre puja, puja, puja. Así, si se puede decir que está a la baja este año. Así que, a pesar de las palabras optimistas sobre las subastas de la semana pasada, que la próxima, el mercado de valores no se lo cree. Lindsay no será un multimillonario de los fondos de riesgo, famoso por haber predicho el colapso de Enron, ahora estaba vendiendo a la baja acciones de Sotheby's, lo que significaba apostar cientos de millones al hecho de que el mercado del arte no va tan bien como se decía.
De hecho, creo que el mercado de las subastas es el aspecto más engañoso de todo el mercado del arte. El mercado de las subastas está sujeto a cierta manipulación. Y empezamos a vender a la baja Sotheby's, realmente a finales del verano de 2007, hace algo más de un año, porque empecé a tener, partiendo del hecho de que participo en el mercado del arte, empezó a preocuparme que Sotheby's se había apalancado mucho durante los últimos años, mientras los precios no dejaban de subir, cuando debería haber aprovechado para reducir su endeudamiento.
Si nos tenía una segunda crítica hacia ellos. Sospechaba de la práctica de garantías de la casa de subastas para atraer grandes obras. En las casas de subastas prometían pagar al vendedor un precio mínimo garantizado, tanto si la obra se vendía como si no. Las garantías de Sotheby's se habían multiplicado por siete en solo dos años, hasta rozar el millón de dólares en 2007. Si nos pensaba que esto era especulativo y arriesgado. Cuando Sotheby's entró en el negocio de garantizarme en cierta cantidad de dinero a mí, el vendedor, automáticamente empezó a juzgar el valor del arte y eso hizo que dejara de ser estrictamente un agente. De hecho, están apostando a que los precios subirán y eso resulta peligroso porque te has convertido en parte del sistema.
Tanto Sotheby's como Christie's rechazaron mis solicitudes de entrevistas. Sobre mí, me escribió diciendo lo siguiente: "La clara parcialidad, incluso desprecio, que ha mostrado hacia el arte contemporáneo, que es una parte importante de nuestro negocio, es imposible de ignorar. Mientras que usted está en su absoluta derecho de producir un programa como desee, Sotheby's también tiene el derecho de no contribuir a sus esfuerzos".
El problema que tienen las casas de subastas, y Sotheby's en particular, es que han dejado de ser agentes para convertirse en agentes principales. Y ese es el problema clásico de la burbuja, sea inmobiliaria, artística o bursátil, porque vemos como intermediarios tradicionales como bancos o agentes de bolsa de repente deciden convertirse en fondos de riesgo ellos mismos, y ya hemos visto los problemas que eso ha creado.
En agosto de 2008, supe que el mercado del arte contemporáneo estaba inundado de crédito y lleno de gente que pensaba que los precios podrían seguir subiendo eternamente. Era como el mercado inmobiliario británico. Los economistas tienen un nombre para ese tipo de escenario: burbuja. Una característica de la burbuja es que en las primeras fases desarrolla por sí sola un impulso propio. Y creo que lo que ocurre es que la gente se entusiasma por la subida de precios.
Excelente. Entonces son 77 millones de dólares. Una cosa que alimenta la burbuja es la deuda y el apalancamiento. Muy. Cuanto más crédito puede pedir la gente, más puede aplazar los pagos, más dinero del que pueden permitirse pagar, y más suben los precios. Y cuando suben los precios, se produce un momento de euforia y todo el mundo quiere subirse al carro. Tampoco hay escasez de estos bienes en el mercado, y esa es otra característica muy útil de la burbuja. No podría haber una burbuja de Tizianos, porque los Tizianos cambian de manos una vez en una generación, mientras que si tienes un artista como Warhol, con una obra de decenas de miles de serigrafías, por supuesto, salen al mercado a docenas.
La mayoría de las ventas de arte contemporáneo las realizaban los marchantes a través de sus galerías o en privado, más que en las subastas. Pero yo estaba dando forma a una teoría: que las salas de subasta eran la clave de la burbuja del arte contemporáneo y quería plantearse la al mayor experto de este campo. Tenía una reunión más en Nueva York con el hombre que escribía el boletín más atentamente leído del mundo del arte. Él va. El fax.
La ilusión es que el mercado de las subastas es el verdadero mercado, y es una ilusión porque es fácil manipularlo. Lo que acabas de decir que el mercado de las subastas se puede manipular fácilmente. Así que utilizas el mercado de las subastas para manipular los precios y a continuación utilizas esos precios establecidos en las subastas para subir los precios de todo el material que vendes en privado. Claro. Ese es el juego, ¿verdad? Claro.
Parece es pensar que la gente que toma parte en este juego no sabe lo que está pasando. Saben lo que está pasando. Pero tú no. ¿Preferirías no? ¿No te sentirías más tranquilo al comprar un Warhol sabiendo que Larry Gagosian, Aby Rosen o Alberto Muygrave están, digamos, protegiendo su precio? Si crees que hay un pequeño grupo de marchantes y coleccionistas de Nueva York que colaboran entre sí con los precios, pujando, no pujando... ¿Qué palabra he utilizado antes? Claro. Por supuesto. Vamos. ¿A quién se intenta proteger aquí? A 20 multimillonarios que tienen sus Damien Hirst. No te preocupes por ellos. Ellos no necesitan protección.
Puede que los multimillonarios no necesiten protección, pero la gente normal, como ustedes y como yo, la necesitamos. Estamos financiando el mercado del arte de diferentes formas. Hay una larga tradición de ricos coleccionistas que donan obras de arte a instituciones públicas o que montan sus propias fundaciones. Se supone que es un acto de pura filantropía, pero en muchos países, los coleccionistas que donan arte a museos e incluso a sus propios museos tienen grandes ventajas fiscales. Cuanto más cara sea la obra donada, más se ahorran en impuestos. Y esos impuestos los acabamos pagando ustedes y yo.
En Estados Unidos, se puede desgravar cada año hasta un 30% de los ingresos brutos y se puede proteger del fisco esa cantidad donando algo de un valor equivalente. Así que, digamos que has ganado 100 millones y ese año donas arte por valor de 30 millones a tu fundación privada, aunque puedes reducir tu base imponible a 70 millones. Y si tu equipo fiscal es del 40%, te has ahorrado una cantidad muy sustancial de dinero. Ahorrado 12 millones de dólares en efectivo que de lo contrario tendría que pagarle al Estado.
El patrocinio de eventos artísticos por bancos y corporaciones era algo habitual. Siempre se había considerado una mezcla de obra benéfica, relaciones públicas y negocios para el patrocinador. Es una buena forma de promocionar su marca y de conocer clientes ricos. Pero una investigación del Senado estadounidense reveló que un banco suizo había llegado demasiado lejos. Hoy, miles y miles de millones de dólares de activos estadounidenses se desvían a estos paraísos fiscales opacos con la ayuda de bancos, trust, contables, abogados y otros en eventos artísticos patrocinados en Estados Unidos, la Feria de Arte de Miami, entre ellos. Los banqueros de UBS habían estado captando en secreto a clientes ricos que deseaban evitar al fisco americano. UBS había abierto a ciudadanos estadounidenses 20.000 cuentas bancarias ocultas a los ojos de las autoridades fiscales americanas, pero suizos han viajado regularmente a los Estados Unidos con el objetivo de captar a ciudadanos americanos en busca de dinero nuevo. A menudo viajaban juntos a eventos patrocinados por UBS y destinados a atraer a potenciales clientes ricos, llevando ordenadores encriptados que supuestamente ni siquiera los agentes de aduanas de los Estados Unidos han podido leer.
Los multimillonarios se habían apropiado de la historia del arte con su dinero y estaban obteniendo de ella pingües beneficios. Y él me ha dicho hace poco: "Bueno, al fin y al cabo, Ben, ¿no son más ricos engañándose unos a otros? No es para tanto". Y francamente, no me interesa el argumento de que podemos mantener un sistema deshonesto porque son ricos los que están siendo deshonestos. Y eso tiene que ver con la condescendencia cultural y de clase que observé en toda esta comunidad.
Desde que empezamos a investigar la evasión de impuestos, la producción masiva, la exhibición pública, la protección de los precios y el amor al arte habían creado la burbuja del arte contemporáneo. Pero según las reglas de las burbujas, siempre hay un punto de inflexión en el que la gente deja de comprar y caen los precios. Si eso ocurriera en el mundo del arte, las casas de subastas como Sotheby's se hundirían bajo el peso de la deuda de las garantías sobre obras que no pudieran vender, y los marchantes como Muygrave tendrían que comerse grandes stocks de obras de artistas cuyos precios habían apoyado.
Creo que los marchantes están cargados de esto. Creo que los marchantes se han endeudado mucho y los coleccionistas también. Creo que en el mercado del arte hay mucho más endeudamiento del que la gente del mercado del arte quiere hacernos creer.
Había un artista en especial que estaba en el centro del boom del arte contemporáneo: Damien Hirst. Se había hecho un nombre a principios de los 90 con el famoso tiburón que compró Chelsea. En 2007, tenía al menos seis estudios repartidos por el mundo, donde más de 150 asistentes hacían su obra en serie: animales en formol, armarios de medicinas, pinturas gigantes y de puntos. Le representaban las galerías más poderosas del mundo: la de Larry Gagosian en Nueva York y la de Jay Jopling en Londres.
Damien es un artista que ha estado realmente en el centro de este boom del arte contemporáneo. Es su arte el que ha inspirado a mucha gente a acercarse ya contemplar el arte contemporáneo en general. Es excitante y te sacude y hace que te dé vueltas la cabeza. Es emocionante. Te hace cuestionar qué cosas. Te hace cuestionar la forma en que miras las cosas. Te hace pensar en la muerte todo el tiempo, pero de una forma muy excitante, nueva e irreverente.
En 2008, según ciertos informes, la fortuna de Hirst ascendía a más de mil millones de dólares y se decía que en todas sus exposiciones se vendía todo. Pero más allá del mito, Hirst no había tenido tanto éxito como artista como parecía. En junio de 2007, expuso una nueva obra de arte, la más cara de la historia, con un precio de 100 millones de dólares. Durante todo el verano, la galería estuvo buscando compradores. Porque no se gastó 50 millones de libras en el cráneo. Que mejor lo intentó. E intentó comprar el cráneo. Desde luego, a mí es una obra que me encantaría haber comprado o que todavía me encantaría comprar, porque es una pieza muy importante en mi opinión. Y estaba dispuesto a pagar el precio que pedía. No, no. De lo contrario, habría acabado consiguiendo. Pero yo tenía un número en la cabeza por el que lo habría comprado. Y hablamos con él seriamente de ello. Pero 35. 35. ¿Millones de qué? Libras. No, eso es demasiado. Digamos que estábamos pensando en algo menos que eso. Le llamaron por el cráneo, ¿verdad? Bueno, me llaman por muchas de estas cosas. Más allá de eso, no hay comentarios.
En agosto de 2007, la galería de Hirst y su director comercial, Franz Danzi, declararon a la prensa que habían vendido el cráneo por el precio solicitado a un consorcio de inversores. Pero un año después, Danzi reveló que él, el propietario de White Cube, Jay Jopling, y el propio Damien Hirst poseían más del 50% de esta obra de arte. Los tres rehusaron participar en este documental.
Mire, el mercado del arte es tan transparente unas veces como poco transparentes otras. Vamos. Y eres un artista y estás pidiendo un precio por una obra y no tienes compradores. Creas algún tipo de historia. En los mercados financieros es ilegal ocultar el fracaso de un lanzamiento de acciones o disfrazarlo con ventas a compañías tapadera. En los 80, procesó a empleados del banco británico NatWest por eso mismo, en el escándalo Blue Arrow. Pero Damien Hirst y sus socios afirmaban haber vendido el cráneo a pesar de que la mayor parte la habían comprado ellos.
La primera grieta del mercado, desde mi punto de vista, fue el célebre cráneo de diamantes de Damien Hirst, una pieza estrella que salió a la venta a un precio astronómico, 50 millones de libras, creo, y que al cabo de un tiempo desapareció discretamente del mercado, oficialmente vendido, pero vendido a un grupo de inversores que incluía al artista. Todo esto, a cualquier observador de los mercados bursátiles, le habría parecido una emisión fallida en la que los títulos tienen que volver al vendedor de una forma u otra. El hecho de que el cráneo no se hubiera vendido en su totalidad a terceros daba a entender que esta vez los marchantes habían ido demasiado lejos con el precio.
Y había otras pruebas. En el transcurso de la producción de este documental, conseguí un documento interno extraordinario de una fuente en White Cube. Era una lista de todas las obras de arte de Hirst que tenía en venta la galería, y había cientos. Aquella me pareció que era dinamita y decidí filtrarlo a la prensa. Esto es increíble. Páginas y páginas de obras con precios. ¿Habías visto algo como esto en tu vida? Vamos, no te voy a preguntar cómo lo has conseguido, pero me sorprende mucho que tengas esto y que esto es información que no se revela nunca a nadie. Páginas y páginas de pinturas de mariposas. ¿Tú crees que se puede vender todo eso? Bueno, lo que se dice es que hay una lista de espera para artistas como Damien Hirst. Eso es lo que siempre se nos cuenta, pero está claro que este no es el caso. Yo me habría esperado que su galería tuviera, digamos, entre 20 y 30 obras a la venta al mismo tiempo, pero tienen cientos. Un valor, si sumas estos precios, no se... calculando a la baja, están sentados en 100 millones de libras en obras de Hirst.
The Newspaper publicó el inventario filtrado en primera página. Resultó ser una noticia bomba. La historia fue comentada en periódicos de todo el mundo, desde India o Alemania a Estados Unidos. En el Reino Unido, The Sunday Times publicó un artículo y pidió a White Cube sus comentarios. Hablé con la jefa de prensa, que básicamente me dijo: "Eso es absolutamente falso. Lo hemos vendido todo". Entonces lo dejé hacer una pausa y respirar hondo. Y yo dije: "Vale, ¿estás diciendo formal y categóricamente que todo es absolutamente falso? Porque de citar textualmente". Entonces dijo: "Bueno, no lo consultó y te llamo". Entonces hizo una llamada a Tim Marlow, el conservador jefe de la galería. De entrada, también me dijo que era una chorrada, una... una palabra parecida. Y yo le dije: "Mira, te vamos a sacar el reportaje. Lo único que necesito saber es si lo que voy a decir es completamente falso". Entonces empezó a recoger velas y al final salió con una frase muy inteligente. Me dijo: "Nos encantaría tener ese número". Dejar sin vender. Es decir, según él, sigue habiendo mercado ahí fuera.
Las noticias económicas eran cada vez más apocalípticas. El Primer Ministro británico dijo que nos enfrentábamos a la peor recesión en 60 años, pero Damien Hirst anunció la acción comercial más atrevida de su carrera: iba a puentear a las galerías que le representaban y a organizar una gran subasta en Nueva York, algo que ningún artista había usado hacer nunca.
Creo que bueno, no sé. Es decir, eso no se sabe, lo cual es muy emocionante en sí mismo. Pero pieza por pieza, puede que se haga menos dinero con unas y más con otras. Este es un mercado muy vital y algo que creo que va a ocurrir es que la gente vendrá a comprar cosas que no compraría en las galerías. Hirst estaba poniendo a prueba la esencia del mercado del arte contemporáneo. Normalmente, los artistas mostraban sus nuevas obras en las galerías que lo representaban y entonces esas galerías sostenían los precios de los artistas en las subastas. Pero lo que aquella subasta daba a entender era que Hirst no necesitaba que las galerías mantuviesen su mercado y que la burbuja del arte contemporáneo estaba basada en la demanda, no en la manipulación.
Es que creo que va a ser fascinante por una serie de razones. Creo que Damien es un empresario absolutamente brillante. Ahora, eso es lo que vamos a ver. Desde luego, los galeristas y los marchantes deben estar echando humo. Obviamente, está marginando a los marchantes a favor de las casas de subastas. Y por supuesto, sabemos que Jay Jopling ha estado sosteniendo los precios de Damien en las subastas el año pasado. Y no es así. Claro que sí. Igual que el aire. Quiero decir, todos lo han estado haciendo. La gran pregunta es si James Joplin y Larry Gagosian pujarán por las obras de Damien Hirst. Esto no creo que vayamos a ver mucho de eso, pero podría equivocarme. Me he llevado muchas sorpresas. Sabe, tienes pesadillas en las que sueñas que llegas allí, están diciendo: "Lo tengo". No se levanta ni una mano. Y de alguna forma, los marchantes y las galerías se han convencido a todo el mundo para que no compre. Pero bueno, es un momento oscuro y paranoide. Estoy segura de que irá bien.
Según se acercaba la subasta, cada vez estaba más convencido de que la burbuja estallaría, en parte por la crisis económica global y en parte porque los marchantes de Hirst no sostendrían su mercado. Pero muchos comentaristas que conocí en aquellos meses producían un resultado diferente. Y la insinuación de que el mercado está lleno de Hirst sin vender ha asustado a algunos. Pero uno, el primer problema lo tienen los marchantes que guardan grandes stocks de Damien. Jay Jopling, Larry Gagosian están entre la espada y la pared. Tienen que hacerse la pregunta: ¿Apoyamos esta subasta y permitimos que los precios de Hirst se hundan ante nuestros ojos y vemos cómo cae el valor de nuestro stock? ¿O nos apuntamos, intentamos comprar algo y al menos sostenemos los precios? Creo que solo hay una respuesta a esa pregunta. Se sabe que Sotheby's ha trabajado realmente duro y se han asegurado de que, por número de lotes, de que al final el porcentaje de lotes vendidos quedará bien. Y han sido capaces de contactar con todos sus amigos del mundo del arte que tienen muchísimos y han reclamado favores abiertamente, porque es muy importante que esto vaya bien. Nadie que esté conectado con el mundo del arte moderno y contemporáneo quiere que se hunda el mercado. Y este es un momento que podría ser el punto de inflexión.
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La muestra previa a la subasta estaba atestada. Hasta el mismo arte parecía decir que el mercado del arte contemporáneo se había convertido en una burbuja. La subasta contenía muchas versiones nuevas de las obras más conocidas de Hirst, como sus pinturas gigantes y de mariposas. Las colillas de cigarrillos transmitían el mensaje de que hoy...
Día, los coleccionistas pagarían cientos de miles de dólares por cualquier cosa, incluso por las colillas de los artistas. Del lote estrella, es un becerro de oro, un símbolo de la adoración, un falso dios. Este gran golpeo de The Union Hearst, hacer de la venta del becerro de oro una especie de comentarios satíricos a la adulación de la riqueza y todo eso. Poner eso a la venta, y que además se venda el mismo día que quiebra Lehman Brothers, y que el sistema financiero cae en el paroxismo y empieza a tambalearse hasta que parece que el mundo va a volver al trueque.
El Reino Unido no estaba tan lejos del derrumbamiento del sistema de crédito. La gente no habría podido extender un cheque, ni comprar nada en las tiendas. Y sin embargo, ahí está Hearst. En ese momento, Hearst estaba vendiendo su becerro de oro.
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El día de la subasta, había dos historias importantes en uno de los diarios de Londres. En la portada aparecían las peores noticias financieras desde los años 30. Y en el interior, había un artículo mío. Solís no sabía que era yo quien había filtrado inventario de Hearst, pero me habían prohibido asistir a la subasta como profesional, alegando mi supuesta parcialidad en contra del arte contemporáneo. Así que esperé fuera. Pero va a ser increíble. Solo me permitieron entrar sin cámara y quedarme en una sala al fondo de la planta baja. Yo estaba seguro de que la subasta sería un fracaso debido a la terrible crisis financiera que estábamos viviendo. Pero me equivoqué. Se vendieron todos los lotes, muchos de ellos por mucho más de su precio de salida. La subasta hizo una caja de 200 millones de dólares.
2 millones 300 mil. Islas. Seguimos con Claudia. Vendido por 2,3 millones. Bruno tiene al teléfono. 33 millones. Así que van 33,3 millones aquí a la izquierda. Y 3 millones 300. Gracias. Por 13 millones 300. Es para ti. ¿Quién estás avisado? Alex. Última oportunidad. Por 9 millones 222. Muchas gracias. 8 millones 500. Creo que no lo soportamos. Así estoy intentando pensar a qué me recuerda esto. Es un poco como el Titanic, ¿saben? Estamos navegando hacia el iceberg, y toda esa gente de ahí dentro sigue bailando al son de la orquesta. Y tocan hasta el final. Así que me equivoqué. Ya no creía que fuera a ir tan bien. Ha sido totalmente increíble. Explicación. Puede darle a esto. Es el mejor. Pero puede que la subasta no haya sido un éxito de la forma que se pretendía, como esperaban Hearst y Davies.
Un 30% de los compradores eran nuevos coleccionistas. Y era normal en la fase final de una burbuja. Siempre hay avalanchas de novatos y expertos que intentan subirse al carro. Pero uno de los objetivos de la subasta era demostrar que Hearst podía prescindir de sus galerías y marchantes para vender obra nueva en grandes cantidades. Y eso no era precisamente lo que la subasta había probado. La galería Gagosian debió pujar por cinco o seis obras como máximo. Max, por otra parte, Wake View ha declarado y confirmado que compró cinco obras para clientes. Según dicen ellos, pujaron por otras 20. Y Jay Jopling pujó con mucho empeño por el primer lote de la subasta. Era una pintura con mariposas que se vendió por un precio muy superior al de salida. Y él fue el comprador. Así que fue quien hizo arrancar la subasta. Con las dos obras en formol más caras. Hubo intervenciones de Gagosian y Wake Club cuando la puja empezó a perder fuerza. Con el tiburón, creo que fue alrededor de los tres millones trescientos mil libras. Cuando hubo dudas. Y Jay, que empujó. En el caso del becerro de oro, que se esperaba vender por 12 millones de libras. De nuevo, hubo dudas. No recuerdo cuándo exactamente, pero la puja se detuvo un momento. Y la galería Gagosian intervino, pujando desde la misma sala. Puede que estuviera pujando para clientes. Pero por supuesto, hay quien piensa que es simplemente estaban sosteniendo el mercado de este importante artista.
8 millones. 9 millones 19 millones de libras. En 9 millones de libras para Sean Deininger. Esta ha sido enormemente inteligente porque no solo se ha llevado el 100% de los beneficios de la venta de estas obras, sino que además, en ciertos casos, ha conseguido que sus marchantes le paguen un dinero extra para sostener su propio mercado.
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Lote número 345. Zapatos de polvo de diamante de Andy Warhol. Y vamos a empezar la puja a 190 mil libras. 200 mil libras. A 200.000. 210. La burbuja no estalló la noche de la subasta de Hearst, pero resultó ser el canto del cisne. Las subastas de octubre-noviembre fueron un desastre.
220. Eso es. Última oportunidad. A 200.000. Pasa. Cuando el subastador dice "pasa", quiere decir que el lote no se ha vendido. Las casas de subastas vendieron aproximadamente la mitad de los lotes y ganaron la mitad de lo que esperaban.
Alguien de más de 300 mil libras. Y ya va en 300.000 libras. Muchos lotes de famosos artistas de la burbuja artística, Hearst, Warhol, Prince, no se vendieron. A 58 mil libras para casa. Media. Tres millones doscientos mil libras. Traspasa. Esta noche representa el fin de una era. Es el fin de una mala subasta. Usted ha sido una subasta horrible. Ahora sabemos que en los últimos tres o cuatro años ha habido mucha especulación con la propiedad. Ha habido mucha especulación con el petróleo. Hay mucha especulación en otros mercados. Y perdóneme que diga esto, pero me preocupa que también haya habido especulación con el arte. Por supuesto, ha habido un poco de todo. A día de hoy, creo que han hecho una buena subasta. Ha ido muy bien. Da igual. Pero unos días después, el humor de mis amigos del mundo del arte había cambiado. No, no, no, no, no. Los muy graves. Y pusieron a la venta al menos 30 obras de arte en las subastas de otoño. Solo la mitad de encontrar un comprador. A de Rosa. También estaba intentando vender. Realizo de hacerte un par de preguntas. Las noticias que llegaban del mercado del arte cada vez eran peores. Los préstamos y garantías repartidos en los buenos tiempos se convirtieron en deudas incobrables. A fin de año, Sotheby's reconoció unas pérdidas de 83 millones de dólares. Las casas de subastas anunciaron que iban a reducir costos, celebrando subastas más pequeñas, dejando de ofrecer garantías y reduciendo su plantilla en un 25%. Finalmente, el Vancouver accedió a pagar al gobierno estadounidense 780 millones de dólares como compensación ante los cargos de haber ayudado a clientes americanos ricos a evadir impuestos, utilizando los eventos que patrocinaba como ferias de arte para captar a esos clientes. Es probable, probablemente, es el mayor cambio que se ha producido en nuestra civilización desde el fin de la Segunda Guerra Mundial. Y puede que este mundo pesado, satírico y conceptual del arte, que vive del dinero, pero al mismo tiempo se mofa de él, sea una de las bromas, una de las bromas pesadas o de los aspectos corruptos del mundo que dejamos atrás para seguir adelante.
Diez millones. Diez millones y medio. Once millones. Toda esta fiebre pujadora que hemos visto en el ascenso, viene con la fiebre vendedora que se produce en el descenso. Así que, en esencia, el mercado del arte muestra las mismas grietas que el resto de la economía. Si viene a ser lo mismo, no lo dirijan personas. No es inmune. La codicia y el miedo alimentan nuestras cosas. La burbuja del arte contemporáneo fue la última en estallar, pero cuando lo hizo, lo hizo de verdad. En las subastas de febrero de 2009, el volumen de negocio cayó un 75%. Era un auténtico crash. El mundo del arte sigue pensando que las cosas volverán a su cauce pronto, pero yo lo dudo. Actualmente, se siguen realizando grandes obras de arte. Pueden ver una de ellas por las calles de Londres. Pero la gran burbuja del arte contemporáneo pasará a la historia como el epítome de la humanidad de nuestro tiempo. Y el artículo de The Art Newspaper fue una primicia espectacular. Cuando entras en una de las grandes galerías, entras en una atmósfera ilegal, intimidatorio, y te parece un enorme privilegio cuando por fin te permiten comprar uno de esos objetos. Pero lo que hizo el artículo de The Newspaper fue arrancar esa fachada y mostrar que una gran galería, como cualquier otra, en realidad tampoco tiene tantos clientes. El artículo de The Art Newspaper fue el gran momento mago de ojos, en el que se abre la cortina y se ve a un hombrecillo tocando el órgano.
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