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不久前我做了一期节目，为大家介绍了西方绘画中各种色彩的象征意义和表达意义，反响还不错。
所以今天这期节目，又是大家喜爱的艺术主题，我们来讲一讲西方绘画中色彩的搭配，也就是所谓的配色。不过因为节目长度有限，这期节目我只能先给大家介绍一下最基础的、最常见的色彩搭配，就是对比色的用法。
但是，千万不要小看这些最基础的配色知识哦，它们绝对能立竿见影地提升你的美术鉴赏力，而且在日常生活中也非常实用。那接下来，就让我们一边欣赏名画，一边提升文艺青年等级吧！
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西方绘画中最常见的色彩搭配方式，就是对比色的搭配。对比色指的是色相反差大的颜色，而色相反差越大，对比效果就越强。反映在这个色轮上，就是夹角为180度的两种颜色，对比效果就是最强的。而夹角越小，两种颜色的色相就越接近，对比效果也就越弱。
当一个画家在绘画中使用对比色时，其实就一个目的，那就是强化画面的视觉冲击力。而在所有色彩中，对比效果最强的色彩有三组：红与绿、黄与紫、蓝与橙。
这三组颜色为什么是对比最强的呢？我在“名画到底怎么看”那期视频中已经给大家讲过了，但有的小伙伴可能还没看那期节目，所以这里我们就稍微回顾一下。
我们都知道，在绘画中，有三种颜色非常特殊，它们能调合出其他颜色，却不能用其他颜色调和而成，这就是颜料三原色：红、黄、蓝。而当我们把红、黄、蓝等比例两两混合，就会得到三间色：橙、绿、紫。
如果我们把三原色中的红色单独拿出来，剩下的两种颜色（黄和蓝）加起来就是绿。如果我们把三原色中的黄单独拿出来，剩下的两种颜色（红和蓝）加起来就是紫。如果我们把三原色中的蓝单独拿出来，剩下的两种颜色（红和黄）加起来就是橙。
三原色是绘画中最基础的三种色彩倾向，那么把一种原色与另外两种原色混合而成的间色放在一起看，自然就对比格外强烈、格外醒目了。这就是红与绿、黄与紫、蓝与橙是最强对比色的原因。而这三组对比色，也是西方绘画中最常见的三组色彩搭配。
首先，我们来看看红与绿。红与绿绝对是所有对比色中最著名的组合了。“红花还需绿叶衬”的道理，几乎无人不知无人不晓，人人都能感受到这两种颜色搭配在一起有多么醒目。
也正因为如此，红与绿成了民间艺术最常见的配色，以至于因为应用太广而给很多人留下了“艳俗”的刻板印象。但红与绿的搭配就一定“艳俗”吗？这可未必。这组看起来非常“民俗”的配色，在优秀的画家笔下，一样能以高级而令人愉悦的姿态出现在我们面前。
有“绘画王子”之称的拉斐尔，就特别喜欢红绿搭配。就比如这幅《教皇儒略二世像》。黑白对比可以增强素描关系上的节奏感，色相对比则能带来一种色彩关系上的节奏感。拉斐尔的这幅画，本身素描关系就已经很强烈了，再加上大面积的红绿对比，就使得整幅画醒目、抢眼到了极致，就像教皇儒略二世，这位开启了文艺复兴盛世、对拉斐尔有知遇之恩的教皇，在宗教历史上的地位一样。
在内容更复杂、色彩更丰富的画面中，对比色还可以用来强化故事的焦点，突出整幅画的视觉重心。就比如现在大家看到的这幅，来自我很喜欢的学院派大师劳伦斯·阿尔玛-塔德玛的《宣告克劳狄为帝》。
这幅画描绘的是古罗马历史上著名暴君卡里古拉，被禁卫军刺杀而死的场景。禁卫军刺杀卡里古拉的时候，皇叔克劳狄正好看到了这一幕，吓得魂飞魄散，躲在幕帘后面不敢出声，生怕愤怒的禁卫军一激动把自己也给宰了。结果呢，却因为太害怕，反而一不小心暴露了自己。克劳狄还以为自己死定了，可万万没想到，禁卫军一把扯开他藏身的幕帘后，竟忽然山呼万岁，请他赶紧登基。
这里红与绿的大色块对比，就恰到好处地起到了强化剧情冲突的作用。禁卫军、克劳狄、被杀的卡里古拉，还有背对这群“不肖子孙”的奥古斯都的塑像，所有最具戏剧张力的主要元素全都集中在红墙和绿布前，被用力地衬托了出来，使画面格外妙趣横生。
除了大色块对比之外，以小色块点缀的形式使用对比色，也是一种很常见的配色方式。比如现在大家看到的这幅画，整体上来看是一幅红色调的作品。看过我做的“名画的色彩玄机”这期节目的小伙伴应该都知道，在现代绘画中，红色绝大多数情况下都是用来表达一种性张力的。就像这幅画一样，性感的女人加红色调，就营造出一种很暧昧、很有性张力的氛围。
这时候如果使用大面积的绿色与红色对比，去营造视觉冲击力的话，就会破坏这种暧昧的氛围了。所以画家只用了小面积的绿色，点缀在大面积的红色之中。这样一来呢，就既能强化视觉冲击力，又不会破坏红色调营造出的暧昧氛围了，可谓恰到好处。
沃特豪斯的这幅《圣切西莉亚》，也是同样的用法，只不过比例反了过来。在这幅画中，绿色占据了绝对的统治地位，奠定了整幅画宁静致远的氛围。那为了不破坏这种宁静的整体氛围，画家就只用了小面积的红色点缀其中，来增强视觉冲击力，也是非常巧妙、恰到好处。
那这时候，有的小伙伴可能就要问了，如果我既想要大面积的红绿对比带来的艳丽感，又不想让这种对比过于强烈，不想让色彩凌驾于我想表现的对象之上，那该怎么办呢？简单啊，你稍微削弱一下这两种颜色的色相不就行了么。
至于怎么削弱，那方法就太多了。比如，你不要用这个色轮上夹角180度的颜色嘛，让这个夹角稍微小一点不就行了么。再比如，你可以像沃特豪斯的这幅画一样，在颜色里加白，把红和绿都画得粉粉的。当然，还有很多其他方法可以削弱对比强度，别急，我们马上就会讲到。
和红绿搭配一样，橙色与蓝色也是自然界中很常见的一组对比色。虽然在自然界中，固有色是蓝色或橙色的物体并不多见，但是天空啊、大海啊、大地啊，在特定的光学作用下，就会呈现出蓝色或橙色。所以你会发现，这组对比色特别常见于风景画中。
就比如我之前一期节目中给大家讲解过的这幅，印象派的开山之作《日出·印象》。诶，那这时候就要说一说，削弱对比色强度的另一种方法了，就是使用补色原理。对比色其实还有一个名称，叫互补色，因为当你把互为对比色的两种颜色调和在一起的时候，就会产生一种中性灰。
就比如，当你把蓝色和橙色调到一起的时候，它就会变成一种灰色。这种通过调和对比色所产生的灰，看起来有一种高级感，所以也俗称“高级灰”。诶，那说到这，相信大家就反应过来了，如果我不想让我的蓝色那么蓝，我就可以往蓝色里加点橙。同理，如果我不想让我的橙色那么橙，我也可以往我的橙色里加点蓝。
这样一来，不但能让这两种色彩的对比变得更柔和，还能让我的色彩看起来更高级，一箭双雕。这就是补色原理啦。莫奈的这幅画就是这么操作的，我们可以明显看出他的蓝里也有橙，橙里也有蓝。他的每种色相里都加了特别多的补色，于是就营造出一种晨光熹微的感觉。
同理，你像威廉·透纳的这幅画，还有很多很多类似的画，都是这么操作的，真的很简单。
而当你把削弱色相大法玩儿到极致，出来的就是莫兰迪的这种感觉了。可以看出，莫兰迪为了削弱色相，既用了减小色相夹角的方法，又用了加白变粉的方法，又用了加补色的方法。于是他画的这些静物，给人感觉就像是落了几厘米厚的灰一样。
你能看出，他的画静物，在色相上其实是有对比效果的，并不是用的同色系的搭配方法。以后有机会的话，也可以给大家讲讲同色系的配色法。但是这种对比效果却被削弱到了极致，也就成了他独树一帜的个人风格。当然了，莫兰迪这种属于另类，一般的高级灰对比，其实都是这种感觉的。
现在大家看到的这幅画，是德国画家马克斯·诺南布鲁赫的《弓箭手》。在这幅画中，橙色和蓝色全都被画家削弱成了“高级灰”。强烈的对比顿时变成了微妙的相衬，就好像一只吼叫的大老虎，突然变成了撒娇的小猫咪一样。
橙灰和蓝灰构成的画面，虽然没有那么强烈的视觉冲击，但色相的对比关系依然存在，所以整幅画在色彩上依然充满节奏感。微妙的对比还赋予了画面一种干净、清透、纤细、典雅的视觉感受。这个画家特别善于使用这套配色，就比如这幅《沙滩上的女孩》也是这样，通过把浓郁的蓝色和橙色削弱为蓝灰与橙灰，就把落日时两种色彩的碰撞，处理得格外柔情、格外富有诗意。
威廉·霍尔曼·亨特的这幅《玛格达伦塔五月的早晨》，则是用减小对比色夹角的方式，来对对比效果进行削弱的。我们可以明显看到，画面中天空的色彩，从上到下并不是一成不变的，而是从浓郁的天蓝向稀释的浅蓝逐渐过渡。在蓝色不那么浓郁的地方，云彩就更偏橙色，而到了蓝色浓郁的地方，云彩就变成了粉红色。正是通过这种处理方式，画家巧妙地柔化了最强烈的色相的对比，让整幅画看起来既艳丽又和谐。
当然了，和红与绿一样，橙色和蓝色的高纯度大色块对比，在西方绘画中也是很常见的。就比如法国东方主义画家让·约瑟夫·本杰明-康斯坦特的这幅《阿拉伯之夜》。这幅画不仅是色彩，构图也很绝妙。一堵白墙横入深蓝的夜景之中，既赋予了画面一种色块拼接的平面构成感，又强化了整幅画的素描关系，使画面的黑白对比更加强烈。如果大家对绘画构图感兴趣，以后我也可以专门做一期视频讲讲。
在这幅画中，近景中的橙色挂毯无疑是整幅画的点睛之笔，既在素描关系上赋予了画面更多变的节奏感，又为画面增加了色相上的对比。与之有异曲同工之妙的，还有远处探出半个脑袋的月亮，既打破了大面积色块的沉闷，又赋予了画面更丰富的节奏。
有时候啊，对比色在营造视觉冲击力的同时，还有很多别的作用，比如区分画面层次。现在大家看到的这幅画，就是使用了对比色来进行层次归纳，既能让画面效果强烈醒目，又能让画面层次更分明。
与之类似的，还有克里姆特的这幅《布痕瓦尔德的山毛榉林》。在这幅画中呢，画家也是利用了色相对比，来区分明度接近的物体。如果将整幅画调成黑白色，你就会发现，画中的山毛榉树和大地的明度非常接近，几乎浑然一体。在这种情况下，要想把两者区分开来，就只能尽可能地寻求色相上的差异了。于是为了将树干和大地区分开来，画家就刻意强化了两者之间的色相对比。但同时呢，也是蓝中有橙、橙中有蓝，既有对比效果，又柔和温婉。
最后，我们再来说说黄色和紫色。说到黄与紫，大多数人应该都会联想到夜晚，因为月亮在视觉上是黄色的，被月光照亮的天空则呈现出深深的绛紫色。夜晚是进入梦乡的时刻，也是仰望与升华的时刻。因此，黄色和紫色的组合，在带给人强烈视觉冲击的同时，往往又能营造出一种梦幻与诗意的氛围。
就比如从浪漫主义风景大师艾瓦佐夫斯基的这幅《月光下的加拉塔塔》。夜幕降临，橙黄色的夕阳在宁静的海面洒下金色的余晖，被逆光中呈现出绛紫色的海港和深蓝紫色的天空包围。强烈的色相对比使画面的视觉效果格外强烈、醒目，但同时又有种宁静、悠远、和谐的氛围。而这正是黄色与紫色这组对比色独有的特性，即使对比强烈、视觉效果醒目，也不会让人感觉艳俗与喧闹，反而有股浓浓的诗意。
即使将黄色与紫色的比例颠倒过来，即使描绘的是充满动感的场面，由这两种色彩构成的画面，氛围也不会出现红与绿比例互换后，那种“逆转天罡”的感觉。就比如现在大家看到的这幅，来自西班牙画家乌尔皮亚诺·切卡的《两片绿洲之间》，也是有种扑面而来的诗意。
这幅我特别喜欢的画也同样如此，是来自法国象征主义画家阿尔方斯·奥斯伯特的《古时的夕阳》。之前的一期节目中，我已经为大家介绍过了这幅画的象征意义，但其实这幅画的用色也非常绝妙。首先，用对比色强化视觉效果，这个我们都看得出来。但这幅画用色最绝妙的地方，其实在于画家利用色彩构建出了近乎完美的视觉引导。
仔细观察你就会发现，画中的黄色格外浓郁，紫色的纯度则被大大削弱了。而由于人的视觉更容易被纯度高的色彩吸引，所以在看这幅画的时候，大多数人都会被纯度更高的黄色吸引，不由自主地顺着海面望向远处的夕阳，就像画中的女诗人们那样。所以这幅画才这么有代入感，在画家绝妙的色彩视觉引导下，我们早已不知不觉地走入画中了。
刚才我们看到的几幅画，都是以黄色和紫色这组对比色的氛围，来支配整个画面。而威廉·霍尔曼·亨特的这幅《替罪羊》，则为我们示范了对比色的另外一种用法，就是使用一小块黄紫对比，为画面增加一丝诗意，但是又不喧宾夺主。
最后总结一下就是，对比色如何使用，是大色块铺满还是小色块点缀，是高纯度对比还是高级灰对比，是用在主体上还是用在背景上，是用来表现氛围还是用来表现固有色，用法千变万化，完全取决于画家想要表达的是什么。绘画实际上就是一门语言，一切技法都是服务于表达的，它有一套自己的语法，但同时又法无定法，而这也正是绘画这门艺术的魅力所在。