1) Breve Historia del Ballet por Lucía Chilibroste. Orígenes del Ballet.

Por favor, ahí se está grabando. Ahora sí, nada más muestra. Basta, da, pasamos a las 30. Tienen que bajar, no a ya dejar de compartir. Bandas y 29, voy a ir bajando la música, parando la música acá. Les quería compartir buena nada de presentación. Vea la foto que dice bienvenidos y eso sí. Y si se quieren ir presentando los que se van sumando más tarde, ustedes la mayoría se salvan, han ido haciendo, pero para ir bien, la esperada que sean 30 en punto, que ya estamos casi en y trike de ella son y 30 minutos, así que me puedo dar por iniciada.

Bueno, mi nombre es Lucía Chilibroste. Hay a muchos de ustedes que los conozco, que los buenos poder de la vida del mundo de las redes, diferentes lugares. Soy profesora de historia, tengo una maestría en estudios latinoamericanos en la Universidad de la República de Uruguay, de donde soy. Soy uruguaya. Que la hice de sol de ballet a la tesis, obviamente con el abuelo, con algunos medios hablando de ballet y escribiendo sobre danza. Cuando se podía viajar, organizaba viajes de la leche a ver ballet, digamos a Buenos Aires. Fuimos dos veces a Nueva York. En marzo del 2020 íbamos a ir a Chile, quizás, unas cancela una semana antes por este maldito virus. Y en mayo nos íbamos a ir a Ruiz a Rusia, y bueno, estamos ahí también cargados, vamos a ver qué pasa. Doy cursos de historia de la danza hace mucho tiempo. El año pasado publiqué una biografía sobre Mariano Rizzetto, una máxima bailarina uruguaya, y quizás de todas las cosas que hago, algo de lo que estoy más orgullosa es de que hace más de 10 años intento, de la forma que sea, ofrecer como otra forma de mirar al mundo del ballet con usted. Este tema sea necesario, porque si ustedes están hoy en un curso de historia del ballet, no les gusta el ballet, pero seguramente todos tendrán en su entorno gente que le dice: “No, a mí no me gusta el ballet. El ballet es para mí, yo no entiendo nada”. Entonces, bueno, lo que siempre trato de determinadas formas es tratar de presentar otra de otra forma, eso porque es maravilloso. Insisto en algo que usted es nuestro que comentar, porque eran acaip, pero por eso me siento que nos entendemos de lo que estoy hablando cuando digo esto.

Bueno, una vez presentada, le agradezco enormemente por estar acá. Hace un ratito, Iván, 860 inscritos, un montón, montón, montón. Estoy muy, muy contenta, muy agradecida, y casi toda Latinoamérica, sino de toda España, y bueno, nada, sorprendida y agradecida por esta repercusión de este país, parte es acá. También quiero agradecerles a los mensajes que me han enviado, muchos mensajes para las inscripciones, como re lindos, y agradecerles a Alejandro y Gabriel de 340 consultores, que han sido como el soporte técnico. Ya Daniela con los diseños de los quería que también me ha dado una mano en este tiempo que yo me metía dentro de la biblioteca y como otras cosas lo hizo otra gente. La idea de esta clase es que dure una hora y 15 más o menos. Espero poder mantenerme con eso, no pasarme, porque tanto me emociono y hablo mucho. Les pido disculpas por tener los micrófonos apagados, pero bueno, como somos tantos, se va a ser difícil el poder participar de esta manera. Lo que sí los invito es que si tienen preguntas y hay cosas que no quedó claro, si hay algo que les gustaría que profundizar un poco más, yo después de que termine la clase, en Instagram y en Facebook, voy a poner como un post para que pongan ahí las preguntas que tienen. Entonces, o después voy contestando o voy haciendo cosas con esas preguntas, porque además yo no tengo la capacidad que tiene mucha gente de leer los chats y hablar, no nos pueden olvidar los chats, no puedo dar la clase. Entonces, prefiero hacerlo así. Y si alguien no tiene Facebook o no tienen Instagram, de última lo escribe en el chat, pero yo lo respondo después. Después me guardo el chat y la liga después, porque esto no lo puedo hacer ahora. La clase va a quedar grabada, está siendo grabada, y mañana les va a llegar un mail con el link de esta clase. Si se tienen que ir, si se quieren dar una parte, si ustedes saben de alguien que llegó tarde, y además, me van a ir unos links como complementarios que les van a dar otras a otros gatitos y cosas que yo voy a ir como hablando hoy, como por si quieren ver un poquito más.

Este es un curso que es una breve historia del ballet. Sé que soy un poco kamikaze y LG al metal, intenta hacer el esfuerzo de por lo menos ir como resumiendo o presentando los principales elementos puntos del ballet en tres clases, pero bueno, como si no me lo dices prevé, o sea, que le quieras presentar como pantallazos, y siempre presentar como el ballet dentro de su contexto. ¿Qué quiero decir con esto? A veces es como que vemos que el ballet tuvo una historia independiente de lo que pasaba. Si estudiamos lo que pasa en el ballet en 1790, pero sin tener en cuenta que Francia se estaba prendiendo fuego con una revolución francesa, así como contextualizando y como cada esas cosas afectan a la danza y la danza lo que está sucediendo. La idea de la clase de hoy es dividir la comunidad en cinco partes, con cinco momentos, que es empezar con estos orígenes del ballet, estos requisitos para mí seso italiano, después ver su desarrollo durante el reinado de Luis XIV en Francia, qué pasó con el ballet durante la Ilustración, durante la Revolución Francesa, y termina en el Romanticismo. Esa es el plan de ruta para el día de hoy. Así que bueno, presentado todos, allá vamos. Se les ponía como el único italiano francés sueña con esa pregunta, que es una pregunta que tampoco tengo respuesta. Yo les voy a dar información que ustedes para sacar las conclusiones que quieran. Y digo esto porque a veces entre bailarines o entre italianos y franceses un poco se pelean entre ellos como automedicándose, no sé la nacionalidad del ballet. Lo cierto es que en el Renacimiento italiano, en una Italia que no es la Italia que conocemos hoy, dalia era una serie de principado simple pendientes y que competían entre ellos. Comienzan en las cortes, estas cortes italianas a surgir unas danzas, unas danzas para las cuales se exigía decoro, elegancia, cierto porte, ciertos mínimos pasos, con sobre todo el caminar. No hay una coreografía, no hay una técnica fuerte detrás. Ya estas danzas se le llamaban ballet ovales o paletos, y de ahí viene como un poco el origen del nombre ballet.

Entonces, tenemos los porqués italianas que surgen este tipo de datos, danzas sociales, danzas de salón de la corte, y dale hará. Después hay una fecha que es 1533, que hay una historiadora estadounidense que se llama Jennifer Homans, que es muy buena. Yo les recomiendo en el último después de la última gracia de la semana en un mail como con alguna bibliografía que añade, parece como que está buena por si después en el mundo a la vez mayores o Jennifer Homans tiene un libro que se llama Apolo en Charles, que es una historia del ballet completa, y es bastante, todavía no se la tenía para campera, no sé de qué lo guardé, que bastante completa y con mucho detalle, como que tiene lo general y también como que tiene muchos detalles. En ella señala que el año 1533 es fundamental en este avance del ballet, porque es un año en el cual Catalina de Médicis, es una princesa italiana, se casan con Enrique segundo de segundo rey de Francia. ¿Y por qué es importante? Porque con Catalina de Médicis esa tradición de los cuales esas bailes de cortes italianos vienen a Francia, se instalan a Francia y van a comenzar un proceso de desarrollo que va a terminar en lo que hoy conocemos. Catalina de una gran defensora de la selva de estos vale tease y también los va llevando ya no solo a una danza social, sino que comienza a presentarlos a saray o como una presentación del ballet de estos de estos ballets. Hay una hay una ilustración que nos queda de 1581, que es el ballet cómic de la reina, que se los voy a mostrar, por qué es una ilustración que cierta manera nos permite hacernos una idea de cómo era el valor de la imagen, verdad. Se ven que es como que hay un lugar para bailar, hay como un centro, pero la gente está ubicada alrededor, hay un lugar preferencial que es el de la reina aquí, pero no es lo que hoy asociamos con ballets. Entonces, por eso me parece que esta imagen es una imagen que fue hecha con fines propagandísticos para mostrar la grandeza de los espectáculos franceses que después servían para impresionar y para para vender. Y entonces, bueno, con Catalina el ballet adquiere un gran desarrollo. Carolina se muere en 1589, y por suerte el ballet sigue. Y a partir de él 7600, el desplante sabrá ser considerado como uno de los elementos básicos que tiene que rellenar la nobleza con un noble, su noble tenía que saber hacer principalmente tres cosas: manejar la espada, el esgrima, están los famosos mosqueteros, saber montar, sabe andar a caballo y saber bailar. El bailar, el saber bailar era una característica casi que imprescindible de deporte la elegancia, porque eso se va a asociar a la nobleza. Entonces, todos los reyes fueron grandes bailarines: Enrique III, Enrique IV y Luis XIII, Luis XIV, vamos a ver qué es el gran rey bailarín, pero lo que voy es que no es que a los 14 se le antojó a él solo bailar, se hace de niña dentro de las cortes esta tradición del bailar.

Pero bueno, llegado Luis XIV al trono, mejor que quizás sea el rey más importante o más conocido en la historia de Francia, ¿por qué? ¿Por qué? Bueno, porque es el rey que lleva al absolutismo a Francia, que hace que asegura ese control y ese poder de Francia sobre todo su territorio y sobre parte de Europa. El para lograr ese poder absoluto, que él tenga el control de todo, se aseguró de controlar a su propia nobleza, que muchas veces era la rival a la que él le tenía, la que intentaron levantar sobre todo cuando él era niño con las Frondas. Crea su propio ejército para no depender de la nobleza, que era que generalmente se encargaba del ejército, quería una burocracia especializada para tener todo el control de todo lo que sucede, de los impuestos de todo, y permite también para debilitar a la nobleza y para hacerse más rico desde otra manera, el ascenso de la alta burguesía. O sea, que recuerden que para ser noble había que nacer noble, es lo que permite que por el matrimonio sin nadal ha sido noble, puedas ascender la nobleza. A los 14 es el rey que construye el famoso Palacio de Versalles, ese palacio inmenso de 2300 habitaciones a donde te sirva vivir con él a toda la nobleza, y no para darles una mano porque no llegaban a fin de mes o porque no les alcanzaba para alquilar, no las lleva a todos saber Sánchez, porque es una manera estando ahí, teniendo los ahí de tener controlada esa nobleza, saber quién está con quién, quién habla con quién, siempre evitando posibles levantamientos y asegurando su poder sobre todo, y además todo tiene un protocolo, todo es una puesta en escena. En Versalles hay un momento famoso que fuera cuando el rey se levantaba, había todo un protocolo de quién le alcanzaba cada parte de su vestuario según el rango, quién lo iba a ser y todo eso lo hace los 14 como con esa manera de controlar. Y digo todo esto porque es ese mismo rey quien va a llevar al ballet a otro lugar, quizás es quien empieza a construir un ballet tal como hoy lo conocemos, y por eso los franceses dicen que el ballet es francés y los italianos dicen que es italiano. Y en esa idea, en esa concepción de este estado absolutista que tenía nuestra torce, también quería hacer como de Francia el centro de la cultura europea, así como en el Renacimiento y cambio había sido como la referencia en pintura, en arquitectura, en todo, él quería que eso de papel ahora lo que le ocurrió a Francia, crear algo así como una Europa francesa, como que toda la Europa tenga la tradición francesa, algo que logró. Y este rey entonces con este con esta visión de gobierno es también un rey comenzamos bailar y me gustaba muchísimo el bailar, y esto no es menor, porque en un gobierno con estas características, lo que le importa al rey importa, y lo que al rey no le gusta desaparece, porque se hace lo que él quiere. Era una alumna muy disciplinado que practicaba todos los días entre una y dos horas, y bailaban mucho, se daban muchos espectáculos, nada de ser cuerpos de baile y el último en la fila, no, él siempre era o el sol o hacía el papel de Apolo o de Júpiter, siempre era el protagónico. De esta época hay muchos documentos en muchos ballets que sé que no que sobrevivieron, pero cada imágenes hay documentos que nos refieren a esa época, y hay un ballet que quizás sea como de los más conocidos, sobre todo porque a partir de ahí la adquiere el nombre de Rey Sol, es el Ballet de la Noche, el Ballet de la Noche, que es de 1653, un ballet que yo 13 horas, 13, sí, un montón, que tuvo la más 30 entradas y van entrando, entrando, entrando, en el cual él con 14 años aparece como el sol, y les muestra la imagen, porque quizás es una imagen que también tenemos bastante vista, que es esta imagen de Luis catorce personificado como el Radisson en este ballet que duraba como le decía 313, que empezaba la noche y terminaba cuando el sol salía. La idea era cómo mostrar ese caos que había en el universo hasta que al amanecer él aparece, y al aparecer él vuelve como el orden. Que hay también vemos en esta imagen como bailaban de zapatos de tacos, como el vestuario que utilizaban y todo el ornamental que eran los trajes, bailaban mucho con con máscaras, con pelucas, era como todo muy aparatoso. Dejar de compartir para andarse ahí.

Entonces, con Luis XIV el ballet pasa a hacer como una cuestión de estado, es como que él quería en esas mismas presentaciones que él hacía, donde él era el sol que controlaba todo ese escenario, lo mismo hacerlo con la nobleza, como es que fuese un reflejo de lo desde sus formas de gobierno. El ballet puede tenía que simbolizar poder, tenía que ser último nizar el orden que quería en frente al caos. En esos links que les voy a mandar mañana por la clase grabada va a ir uno que es un fragmento de una película que se llama El Rey Baila, al Rai Danza, que en el cual se hace una especie de reconstrucción de lo que fue este Ballet de Lan Which, creo que les mando 45 minutos en el cual él aparece y humanización como esa idea, un tipo de los espectáculos en los cuales se mezclaba la danza, el recitado, el canto, no eran 13 horas solamente de ballet, iba como entrando diferentes cosas. En esta época el maestro de Luis XIV, uno de los mayores bailarines de este momento era Pierre Beauchamp, y es a él a quien se le adjudica la creación de las cinco posiciones del ballet, cinco posiciones que hoy son básicas a la hora de comenzar a estudiar la técnica el ballet, y porque los tratos y es tan importante para el ballet porque decíamos que le encantaba bailar, pero a los demás también les gustaba bailar, es muy importante porque quería tienes instituciones que le da que como que consolidan este arte y le permiten el posterior desarrollo. Una es la primera que crea es la Academia de la Danza, que la vamos a dar lo que es 1661, creía la Academia de la Ópera, que ellos después se va a convertir a la Ópera de París, institución que hoy sigue estando, y crea la Escuela de la Ópera de París, que es la primera escuela nacional que surgió las que surgió la historia. Y bueno, en 1661 quería la Academia de la Danza, que es la Academia de la Danza, una academia lo que hace es regular, codificar, decir qué cosa es de una manera y no de otra. Quizás nosotros sobres en los de lengua latina tenemos muy presente la cadencia regala la Academia de la Lengua Española, y qué es lo que nos permite, por ejemplo, si yo dudo cómo se escribe es Francia, va consejo con ese Francia, bueno, no hay para mí queda mejor con ese no voy a ir a ese documento que hizo ese grupo de personas y dice: “No, a Francia, a Ponce”. Regulan que de una manera o de otra, y eso es lo que hace la academia, regular, codificar, y la Academia de Ballet de Danza que está en 1661 se enmarca dentro de lo que se llama la era de las academias. Se había creado antes la Academia de la Lengua Francesa en 1635, la de la pintura en 1648, la de elegir y más de 56, bueno, la de la danza en el 61, la de música y después la de la arquitectura. Entonces, este rey que valoraba lo que era una buena enseñanza era consciente que para poder profesionalizar a los bailarines y así mejorar la danza había que crear esta academia. Fueron en un principio 13 maestros, 13 maestras, además eran muy importantes, muy importantes porque por esta cercanía al rey ejercían mucho poder en esta corte absolutista. Las personas que tenían derecho a estar más cerca del rey, eso significa tener derecho a hablarle, derecho a estar cuando se levanta, derecho a verlo almorzar, significa va a tener más poder, y estos maestros de baile que eran cercanos a él eran como muy poderosos. La academia siguientes pues se desaparece la importancia que tiene es que por primera vez se le reconoce el estatus de ser un arte legítimo, se le estima está este arte se pone a la primera vez se reconoce y se pone a la danza a la misma altura de poder de importancia que la pintura, que otras artes. Entonces, eso fue como muy importante en este proceso de avance del ballet, una va un ballet que insisto todavía sigue muy asociado a la música de la declamación, a la actuación, que no es la danza como hoy tal cual la conocemos. Además, los 14 como está errada y que quería una Europa francesa, sabía que al crear una academia y comenzar a escribir tratados él estaba como un grupo porque se escribiera porque se todo eso que se hacía pasar a papel, porque porque era una forma de que esa culpes a ese arte sex y era por el resto de Europa a través de esos tratados que después eso mismo se comenzará a aplicar en otros países, qué es lo que después empezó a Susana hacia 1670. Luis XIV deja de bailar, teníamos 32 años, para que estaban medio gordos, el rechoncho, y bueno, se retira como chef dice del escenario, y bueno, también pongo que el dueño de la fiesta de cata ya no quiero el arma se apagó como en el nuncio ya está, no nos fue tan así por suerte, sino el ballet y tomás que no se podría haber llegado a desaparecer con su retiro, si perdió de cierta manera el interés en la nobleza por bailar, esta nobleza que era muy snow que es el rey bailaba, todos tenían que bailar. Al dejar de bailar el rey, dejan muchos de bailar, no todos, pero al retirarse en este tipo de ballet, estos ballets de cortes empiezan vamos a tener los días contados, como el absolutismo para empezar a tener los días contados después de Luis XIV, pero tienen los días contados, y al ballet de corte no, el ballet como decimos suerte para nosotros que hoy cuando 200 años después seguimos bailando. ¿Y qué hizo el 14 para asegurarse la continuación del ballet más allá de que él no bailará? Creó la Academia de la Ópera, que después fue la Ópera de lo que es la Ópera de París, una con un teatro y una y una compañía donde hay muchas compañías que van a desarrollar este arte. En otro de los videos esto se le mandó es una muestra todos los sedes que ha tenido la Ópera de París y todos los nombres que ha tenido porque ha cambiado, no sé si quizás veces de nombre. Entonces, bueno, al crear la Ópera de París, al crear esta institución, esta Academia de la Ópera, está dando un lugar, le estaba permitiendo desarrollarse y la quería en país Versalles que se sede se inaugura en 1682, no se lleva la han creado para ya quedar la ciudad Versalles. Pensemos que estaba más afuera en París, en su momento estaba muy me parecieron lugar de casa de Luis XIII, y al quedar la ópera en la ciudad muchas veces el teatro oficiaba como el nexo, como vínculo entre la corte que estaba ya lejos y ese teatro que pertenece también a la corte pero que estaba en el centro de la ciudad. Y también eso le dio a los bailarines o a los artistas de la ópera cierto grado de independencia, porque ellos pertenecían a la nobleza, pero a su vez estaban en París, y también si vamos a ver que se ha mantenido con mucha sí ánimo desde independencia. ¿Y quiénes bailaban en estos teatros? Bueno, en un primer momento bailaban muchos nobles, estos nobles que hayan sido entusiasmados por el 14 que les había encantado, bailaban mucho. Los 14 para estimular que la nobleza siguiera bailando, les permitiría si bailaban en la Ópera de París mantener igual el rango de noble, el carácter de noble. ¿Qué quiero decir con esto? La nobleza no era libre a sólo que quería y se hacía ciertas actividades tardía su cara le quitaba el carácter, el hombre de hecho, si un noble bailaba en otro teatro que no pues si la Ópera de París sé lo sé lo sé le quitaba el rango de nombre, pero no en la ópera como que le dan al teatro ese privilegio. En un principio bailaban solamente hombres en los así como en público, y los roles de las mujeres lo bailaban hombres travestidos, algo que después vamos a ver que en el Romanticismo pasará al revés, los roles de los hombres lo bailan mujeres vestidos de hombres, y las mujeres bailaban principalmente para la reina, para la Delfina, pero no en público. Aunque ya en 1681, en un ballet quienes amo el triunfo del amor, por primera vez las mujeres sí bailan en el escenario, y ahí comienza como este desarrollo de las mujeres también bailando. Pensemos la el gran auge que tenían el ballet que hacía 1664, o sea, que en plena época del 14, un París que se calcula que tenía unos 500 mil habitantes, se estipula que había unas 200 lugares donde estudiar ballet, y había 3000 bailarinas de prontas mis maestros de ballet, o sea que estaba lleno de maestros de ballet, porque porque insisto, porque el adquirir ese porte noble, esas ese físico trabajado, esa manera de manejar y controlar el cuerpo era algo muy bien visto en esta época de Luis XIV. ¿Y cómo bailaban? Bueno, el virtus y pone ver algo como que se requería, si bien ya en Italia empezaba un poco como desarrollarse, no era algo que se premiará como vamos a ver que después sí se estimula, existían algunos pasos entre ya él son el cambio pelo ya ser, pero lo que generó que se insistía mucho era en el estilo del baile de baile y de bailarín. ¿Qué quiero decir? Banesto, según el físico de cada bailarín se lo entrenaba para un vestido, el más deseado, el más importante, el principal era el llamado plan ser noble, el bailarín noble y serio, es el bailarín alto, la rgi línea con ese aporte quizás te genere muchos tenemos a la cabeza cuando pensamos en un bailarín que hay que interpretaba principalmente los roles heroicos de los ballets. Después estaba el otro de los estilos y la de mi carácter que eran esos bailarines quizás más bajos de complexión, más más gruesa o más fuerte, con piernas más músculos, así como que se lucían más en los saltos en otras cosas, eso eran como los bailarines de mi carácter, y después de todos los bailarines cómicos que era como otros los estilos. Durante mucho tiempo se continuó con esto de los estilos, siempre me llamó la atención la energía común interesante, una anécdota que Mijail Bajtín com 1960, o sea, que por 500 años después él decía que por su físico, por su convicción, por su capacidad de salto en piruetas y todo eso él era un bailarín de mi carácter nato, pero él no quería que lo encasillaran dentro de ese estilo, porque él quería bailar los otros roles, él quería bailar sucede, él quería bailar desde al bridge de Sigfrido y no quedarse en los roles de mi carácter, y que su maestro Pushkin lo entrenó para que bailara a pesar de tener el físico de un de mi carácter como un potencial bailarín noble, como que dice: “Tengáis en engañar, crear la ilusión, lo que sea, ya pesar de su altura, lo que sea bailar como me la innoble”. Y bueno, algo obviamente lo logró, todos hemos visto emocionado y librado viendo a Baricco en este tipo de ballet. Y bueno, otra cosa que llamamos que era importantísima fue la creación de la Escuela de la Ópera de 1713, la primera escuela nacional, y por el simple hecho de que se empieza a profesionalizar la enseñanza de la danza, una escuela que lo que la distinguida decían que era la gracia, el encanto, el psrm, la elegancia, un poco de lo que se siguen hoy jactan, no los franceses. Si pasamos ahora…

En el siglo 18, siglo 18, quizás ustedes recuerden el siglo de las luces, la Ilustración, las nuevas ideas. Este siglo, el ballet va a tener una gran, fuerte consolidación. Primero, queda del ballet que se considera como un arte esencialmente francés. La mayoría de los maestros importantes están en Francia; las principales obras están en Francia; el idioma que se maneja es el francés. Algo que, si bien después vamos a ver la próxima clase, el centro ya no es Francia, sino que ha pasado a Rusia. Igual, en 2021 se siguen mencionando la mayoría de los pasos en francés. Entonces, es a ese rol de Francia en el ballet que queda como patentado en este momento.

Y ahora es un siglo en el cual la técnica se desarrolla mucho; surgen nuevos pasos; se acota y sigue codificando. Hay una cantidad de tratados desde el 1500 sobre la historia, sobre diferentes aspectos, estudios de la danza. Y en este momento siguen una formación que se consideraba que era bastante exigente; que un bailarín bueno tenía que empezar a estudiar más o menos a los seis años, iba a entrenarse cuatro horas por día, lo que es un montón si estamos pensando en el año 1700. Creo que es más o menos lo que hoy muchas escuelas nacionales exigen siglos después. Y bueno, y lo que se conocía como básico era el abrir, la apertura de las caderas. Hay una frase de Noverre que dice: “Para bailar, señor, no hay nada que ayude más que abrir desde las caderas”. Como que con eso es importante. Y en la… y el ballet va también avanzando fuertemente por innovaciones que los propios artistas van haciendo; cosas, o pasos, o cosas que van cambiando, y eso va a pasar que vaya evolucionando esta danza.

Ya que hay dos personajes, dos bailarinas que fueron contemporáneas y rivales. Y una es Marie Camargo, la Camargo, como usted le llamo, y la otra es Marie Salle. A Camargo se le adjudica, yo no sé si fue la primera o no, lo que se le adjudica es que con ella, que era una gran estrella, Voltaire estaba… volteando, volviendo a leer, voltear de las nuevas ideas, estaba apasionado con las nuevas… y hablaba de los estilos que tenían una y la otra. A Camargo, lo que se le atribuyó, buenas cosas en las que se destaca de ella, es que comienza a cortar las faldas; para las múltiples imágenes, a cortar las faldas, y que se le mira a los tobillos y los pies, porque las mujeres bailaban con unas tiras enormes que se… se le veía… y comenzar a desarrollar pasos que se… que lo hacían los hombres, sobre todo los saltos, los centros, las chapas, de que se hacía… bueno, entonces acá Pérez que era como un suceso y todos decían que bueno que la Camargo baila como un hombre.

Y la otra bailarina, Marie Salle, lo que va a hacer, una de sus grandes innovaciones, es que comienza a sacarse, a la hora de bailar, el miriñaque; que vieron esa estructura que le daban forma a los vestidos. Entonces tiene toda la libertad; imagínate el peso de bailar con todo eso. Se saca las máscaras y la peluca. En general, salió con una idea de que el bailarín, para representar a otro personaje, Dios, quien fue… sexy, no lo podía hacer si no estaba todo pintado o por máscara. No existía el sayo; ya que hoy se le exige a cualquier artista de que: “Bueno, tenés que ser ahora Julieta”, no en su mando de ellas que ponerse una máscara de Julieta, porque tarde… ya no existía… bueno, sí, ya que estás por amigo, perita, pero bueno, tenía que ponerse la máscara para representar eso. Entonces, Marie Salle, al sacarse la máscara, nada más y nada menos, está comenzando a… a incluir en toda esa técnica de la danza toda una faceta de expresividad y de emoción.

Y estas son las fotos que les quería mostrar. Si vemos cómo se bailaba antes; esto es de 1600, principios de 1700, cómo bailaban las mujeres con estos trajes tan pesados, las pelucas, todos estos armamentos; y cómo bailaban los hombres; miren los zapatos. Los zapatos siempre eran como un objeto de lujo, de súper… y nada, súper preciado; los pies y los pies eran como una parte del cuerpo muy… a la gente que tenga aquí el himno de chiquito era como nada, la más deseada. Ya que tenemos a Camargo que, si ven la falda, ya se le ven los tobillos y los zapatos; igual que de zapatos de tacón. Y acá tenemos a Marie Salle con toda esa natural… naturalidad a la hora de bailar.

Otro personaje que aparece como fundamental en esta… en este momento del siglo 18 es Jean-Georges Noverre. Pensemos que estamos en el siglo 18, el siglo de las nuevas ideas, donde se está cuestionando todo; se está cuestionando si el rey de Francia tiene derecho a ser rey de Francia; el rey es el hijo de Dios o no; o Dios no existe; se está cuestionando si no se piensa en lo común, Russo… todo se cuestiona; y así todo el orden establecido. Y así como todo el orden establecido se cuestiona, también se empieza a cuestionar la danza. La danza, tal como está, ¿está bien? ¿Es eso lo que queremos o no es eso lo que queremos? Entonces, Noverre es el personaje que lleva adelante estas reformas, y Noverre, si será importante. Lograron que vieron que la semana pasada festejamos, celebramos el Día Internacional de la Danza. Bueno, el Día Internacional de la Danza se celebra porque el 29 de abril de 1727 fue el nacimiento de Noverre; por su cumpleaños, para tener idea de la trascendencia que tiene… nada… y nada… que lo que hace Noverre es como cuestionar el ballet tal cual como estaba. Él decía que el ballet estaba convertido en un arte donde solo importaban las formas, donde todo era ornamental, y que la función del arte era conmover, era lograr transmitir al espectador… eso que decíamos. Imagínense si ponían… se bailaban hasta hacía 20 años con máscaras. Acá él está pidiendo no solo que se saquen la máscara, sino que la función del artista tiene que ser precisamente eso; si no son como unos cuadros sin vida. Él crea esa idea del ballet de acción, de acción, en el cual él crea que el ballet tenga que contar historias, tenga que desarrollar una historia; y en eso el artista tenía que estar como comprometido con ese rol, con ese papel, y lograr transmitir eso al espectador. Imaginemos… no, que sin esto no terminaríamos llorando… la simple… cuando se van a sentir muertas… James queda destrozado… un valle donde se cuentan… donde todo el tiempo estamos moviendo a la sílfide… y de ahí en adelante… todos… entonces Noverre, de ciertas formas, como el padre de este ballet moderno. Entonces, él decía que los pasos y las danzas podían ser usados para describir el carácter de los personajes, y no… y no tanto los decorados. Solo dice a Nava Carles, que es otro libro que después le voy a recomendar de una historiadora española que está muy bueno. Él exigía más que la pantomima; no solamente hacer las vacaciones, sino que eso insisto en el interpretar y conmoverse; el transmitir… algo que no se hacía… se levantará de la risa… todo el mundo dijo: “Uy, qué bien”. Si bien tenía mucho apoyo, dinero, Voltaire lo apoyaban, no llegó a poder aplicar en la Ópera de París, que era la principal casa, sus reformas cuando llegó… cuando fue invitado por María Antonieta. Y al final, como queda sano, no era el momento de hacer esas reformas y no pudo aplicarlas.

Así que estamos en este siglo de la Ilustración, que sabemos que termina con una revolución; con una… esta ha sido una revolución para lanzar las albinas posteriores de Rambo, León y Ka, y una posterior intento de vuelta de la monarquía llamado a la restauración. Y si vamos a la Francia antes de la revolución, unos años antes, es una Francia que está caldeada, está en crisis y está con problemas. La revolución no va a empezar de un día para otro, sino que hay muchas causas que se van común haciendo cada vez más fuerte. Y la Ópera de París, al igual que toda Francia y en la monarquía, también está en crisis; está teniendo problemas económicos, porque las redes están con temas económicos. Entonces también la… el teatro; y además hay otra cantidad de problemas que está teniendo la Ópera de París. Por un lado, Luis XVI no le gustaba el ballet, y cuando hablamos que lo hable, el reloj que enrollarse, importa… claro, limbo está ella… no solía ir al teatro; le dejaba como ese lugar que fuese de María Antonieta. Pero María Antonieta, en órdenes sentada como esa autoridad, porque Massa estaba al final con un poco desprestigiada. Entonces él lo va a su par, que está generalmente vacío, y eso ya muestra como ese desdén.

Además, cambia como la… la idea del público, para quien se bailaba. Hoy cuando nosotros… no se basa en espectador con locales, bailarines, coreógrafos, maestros; buenos hacer espectáculo, y ¿qué es lo que importa? Lo que el público dice, y ¿quién es el público? Y bueno, somos todos; todos los vamos y vemos y opinamos; claro, no todos tenemos la misma voz. Yo que sé, si hay uno que escribe en un diario muy importante su opinión, va a pensar más la de otro que lo va a conversar con su amiga mientras se toman algo después de que terminó el ballet. Pero todos somos públicos, y se supone que importa la opinión de la gente. En este momento, la opinión que importaba era la del rey, porque el espectáculo podía estar increíble, pero ya no le gustaba más, no se sacaba y que vive ni a otro. Entonces, al no irse al reino al teatro, al no contarse con su salud, al no ser su opinión algo que determinaba si eso continuaba, no van a comenzar a ascender otras voces como las autorizadas para opinar en esta ópera. Con esta inestabilidad, los artistas van a reclamar… ser parte del… de la administración de la ópera; tener derecho a la participación a la hora de programar, que se hacía en… que no… algo de tener un poco de caos, porque todos se querían programar a sí mismos. Y bueno, que este 15, en un momento que otro de los grandes bailarines, padre e hijo, el hijo pedía que no lo hicieran participar de estas… de estas reuniones administrativas porque no tenía tiempo para bailar; que quería dedicarse a bailar.

No estamos antes de la revolución de la ópera, que está convulsionada y que está reclamando derechos, nada más y nada menos. En 1782, pensemos que la revolución en el 89… se dio un hecho que me parece como muy anecdótico y que a su vez pinta un poco lo que es la época; de… me encantan las salidas, que siempre digo lo mismo, porque de una forma u otra, en ese 1782, María Antonieta, la reina de Francia, pide a Auguste Vestris, un gran bailarín francés, a su vez hijo del mayor bailarín de estilo noble que había habido anteriormente, y era como el dios de la danza; le llamaban… imagínense, pequeño apodo. Auguste Vestris, que no era tan bailarín noble, sino que era más del estilo de mi carácter, que… y baile, porque va a venir un dignatario, y ella quería que mostrarle cómo bailaba Vestris, new style. Y dice que no, que no va a bailar porque está lesionado. Y esto fue como un escándalo, un insulto a la reina; como un bailarín le va a decir a la reina de Francia que no va a bailar porque está lesionado. Y generó el alboroto en todo París. Pensemos que estamos a años del estallido; estaba el ambiente caldeado, y se generaron panfletos y dibujos por todo París apoyando a Vestris y criticando a Vestris, porque además había como de los dos lados; su padre, este gran bailarín, viene del equipo de baile es la reina; no reconsiderarlo; y el plantado en sus cabales, que no… que no va a bailar; que él, además, consciente de su… de su… un buen bailarín que era… que era como el mejor bailarín que había… el tema es qué bueno que lo meto allí; está… lo manda presos… por no bailar; él dice que bueno que se va a ir preso y que después va a abandonar la ópera porque no quiere seguir bailando; él sí… y es bueno… María Antonieta, que ya se había metido en otro escándalo, ordena su liberación; él no se va de la ópera; y cuando vuelve a bailar al teatro después de todo esto, se genera un terrible alboroto; mucha gente que lo apoya y le grita… como bien atrás, revelaste; y mucha gente que le empieza a tirar con tomates, a insultar… los muchos que le gritan de rodillas, que se ponga de rodillas como reconociendo la superioridad del poder de las veces, y después le empiezan a tirar con piedras. Y ahí bueno, interviene la guardia real para calmar eso, porque ella se había ido de las manos; lo estamos… que no.

Entonces, antes de la revolución, como la Ópera de París, es reflejan lo que está pasando en el resto de la sociedad. Y bueno, y comienzan también antes de la revolución y después durante la revolución… de donde los años que sigue… y después a cambiar las temáticas que se bailan. Por lo general eran historias apuntó antes de dioses, de héroes romanos, como de cosas muy grandilocuentes; y empiezan entonces después a bailar se temas más sencillos, historias sencillas, historias sentimentales, historias de amor, siguiendo esta idea de Noverre de contar historia y de emocionar. Hay un ballet que se crea acá a dos semanas antes de la revolución francesa, que es la firma del Carde, que es un ballet que se baila mucho, Riccardo Destapara, y tiene una coreografía… se baila muchísimo esa fotografía. Y lo importante de esa… que no sobrevive la coreografía, pero sí la historia que cuentan; historia de los campesinos; son estos campesinos… qué bueno que esta niña malcriada que el padre no puede con ella. Y se estrena en Burdeos, el 12 de julio de 1789; el 14 de julio fue la toma de la Bastilla. Entonces, como todo el ballet va acompasando en todo esto. Y bueno, y tras el triunfo de la revolución, la Ópera de París como que se suma a esta ola revolucionaria. El director de entonces, Pierre Gardel, Gardel, como el cantante, Gardel, así se escribe, fue como el director que iba que cambien muchas cosas para acoplar la… la Ópera de París a la renuncia, porque pensamos que la Ópera de París era el reflejo de la monarquía; eso significaba la monarquía. Entonces, en este mundo se hace antimonárquico, que empiezan a guillotinar a los nobles; lo que va a intentar el ballet, de cierta forma, es separarse de la nobleza; no se va… y comienzan a bailar otro tipo de temáticas inspirados en la Grecia antigua; bailan con túnicas, bailan con sandalias; siguen un poco la estética de la revolución. Si vemos los cuadros de la revolución, las ideas, los conceptos siempre van como un poco en este camino; se hacen muchos festivales de la revolución, festivales al aire libre, donde los bailarines participan, y ahí bailan obras como Ofrenda a la Libertad; se baila La Marsellesa; como que hay toda una… toda esa onda, pero revolucionaria. Y yo les decía que la ópera intenta como empezar a separarse de esta relación con la nobleza, y algo que me pareció como súper interesante como esto se ve en el estilo de bailar. Yo les decía hasta entonces que el estilo favorito más importante era el del bailarín noble; ahora como este bailarín noble tan asociado, algo artificial y a lo noble, empieza a quedar como más listo, y empieza a bailar… se alejan… darse el estilo más de bailarín de mi carácter; este bailarín virtuoso de grandes… harto de grandes piruetas. Y ahí el que lleva la delantera tiene el ser como al representante de esto es Auguste Vestris, este que había tenido en un lío con María Antonieta; el que, si bien había sido formado en el estilo noble como su padre, tenía fuertes piernas, musculosas y saltaba mucho, y hacía cosas que… que muchos decían que eso era de muy mal gusto, pero él decía que eso enarbolaba a la multitud. Me lo he pasado hoy con los bailarines virtuosos; no digo que sea de mal gusto, pero que enarbola la multitud si Moore enarbola; y bueno, algunas cosas que me gustó, pero bueno, nada… lo que hicimos ahora. Pero el tema es que en este momento piensa como la idea de la importancia y el desarrollo del virtuosismo, de saltar, de girar y hacer todas esas cosas. Y es una época entonces que también veníamos… una era de bailarines… después con Camargo y Salle, vienen las bailarinas; acá los Vestris, padre e hijo, Gaetano y Auguste, son como las máximas estrellas del ballet, porque después en el Romanticismo vamos a ver que es la mujer la que después vuelve a sembrar; las mujeres empiezan a bailar cada vez más en los ballets. Gardel decía algo así como que selecciona… da cuenta que el público prefería ver bailar a mujeres que hombres; entonces se empieza a poner cada vez más a bailar a mujeres que hombres; algo que es perspectiva va a consagrar esos cuerpos de baile enormes y esencialmente femeninas. Y esto se me pasó… más que yo le decía que esta historiadora estadounidense que me encantaba… esa cree que… y saca durante estos festivales de la revolución, en estas danzas que se hacían… que se pueden encontrar el origen de los cuerpos de baile, en donde… bueno, parece que en todos los espectáculos estos de la revolución que había muchas asociaciones de… de artes, no era solamente ballet; en determinado momento aparecieron las mujeres de blanco, vestidas como con unas túnicas de blanco, que lo que hacían eran como todas juntas, al unísono, moverse de manera elegante; y no era que bailaban, pero sí esa idea de un cuerpo de un coro silencioso, todo igual, milimétrico, que empiezan como a mudarse y que eso genera en la… los espectadores como una gran fascinación. Y bueno, para ella entonces esto es como el origen de los cuerpos de baile. Napoleón, y acá empieza como todo sense revalorizarlo meritocrático como era Napoleón; las personas que se hacen a sí mismas. Pero voy a saltarse para el siglo 19 para entrar en el Romanticismo.

Ya que tenemos a principio del siglo 19 a un maestro italiano, vamos a ver que los italianos van a ser fundamentales maestros de acá en adelante, que es Carlo Blasis. Carlo Blasis, que escribió un libro llamado *El código de los tercios*, y cree que lo que hace un poco es cómo desarrollar… tuvieran la técnica de estudiar los pasos, de estudiar cómo se construyen para seguir mejorando la técnica enormemente. Se dice que casi que el Romanticismo, quizás no hubiera existido con ese desarrollo de la técnica sin Blasis, porque si no no hubieran podido bailar de esa manera. Blasis, que es el maestro de Enrico Cecchetti; Enrico Cecchetti, que es el maestro de Vincenzo… siempre me encanta cómo trazar las genealogías en la historia del ballet. Imagino que no sé si todos, pero muchos son estudiantes de danza o bailarines o maestros de ballet, saben la importancia que tiene en el ballet, como en otras artes, en hacerle ballet… el único… lo que es la tradición oral, y eso qué quiere decir que el maestro de uno le cuenta lo que su maestro le decía: “No, porque mi maestro me decía tal cosa”. Entonces, que Carlo Blasis ha sido el maestro de tantas personas hace como que eso, esa línea siga directo y llegue hasta el siglo 20. Y Carlo Blasis, bueno, hace hincapié en la importancia del trabajo diario, en la importancia de la… y no sea el abrir a los pies, las caderas, por una cuestión estética, sino por la cuestión anatómica, porque en un principio no era que se dice… Blasis… cuanto más las abrís, más libertad, más libre queda tu cadera para levantarse. En la época de los 14 no levantaba más de 45 grados, o sea que no era por eso que se hacía. Ahora sí empieza como a justificar todo esto; desarrolla normalmente lo que es el trabajo de piernas, la danza de elevación, los saltos y la actitud; inventa la actitud. Miren que la imagen… el *up*, inspirado en una escultura de Giovanni da Bologna, que es el *Mercurio volador*, que es un Mercurio sostenido en un solo pie, que en su momento parece que está como muy novedosa la escultura, porque era como hacía para sostenerse en ese solo pie. A partir de ahí crea el *à la seconde*, un paso que hoy es parte de cualquier bailarín a la hora de bailar. Y Blasis decía la cosa que era algo así como que él tenía una máxima que decía: “Ocultar al arte lo supremo del arte”, o sea que insistía que había que manejar de tal manera la técnica que no se notara… que no se notara que había detrás de todo eso; ocultarla, manejarla de tal manera que había que… no tenía que verse, y tenía que estar el énfasis en lo artístico.

Y ahora sí llego al Romanticismo. Hace las corridas que me interesaba especialmente llegar al Romanticismo, porque el Romanticismo es quizás el momento en el cual, primero que nada, que nos han sobrevivido obras así tal cual de este momento, o sea que podemos tener una idea más cabal de cómo se bailaba. Ahí surge la idea del ballet tal cual como lo conocemos; además esta idea de que el ballet es femenino, que es constituirse en puntas, surge acá; el ballet se independiza, se independiza de la ópera, se inicia de los demás espectáculos… sin fin… y *La Sylphide* son los primeros espectáculos de modernos y la historia en estos ballets… en el ballet romántico, la danza pasa a ser la protagonista. Si bien sigue habiendo mímica, en un momento que yo estoy casada con él, aunque yo que no sé cuándo… la protagonista es la danza; todo se cuenta principalmente con la… y vamos a ver en qué momento surge este Romanticismo para entender qué es lo que busca esta corriente y ver cómo eso se ve en el ballet. Pensemos que estamos en fines del 1700, principios de 1800; una corriente que abarca la literatura, la pintura, la música, muchísimas artes, y que la danza también se suma en esta oleada, y que es fruto de un contexto histórico muy particular. Pensemos que venimos de un siglo de las luces, un siglo de racionalismo puro, que desemboca en una revolución, en levantamientos, en biotina, en Napoleón, en restauración; y eso comienza a generar en gran parte de la sociedad como una desconfianza de la razón. ¿Qué quiero decir con esto? Tan racionales que fuimos, pero mira cómo terminamos; entonces no es tan fundamental la razón. Y esto es clave para entender cómo Albert Bound… bosque… a hablar con una reina fantasma, y cómo el diálogo se encuentra o… o acepta estar conversando con su amada ya muerta; es todo irracional en eso. Pero después el contexto fundamental… o James, que se va atrás de una sílfide, nada que se apareció y deja plantada a su vida… a su esposa, todo por irse tras un espíritu que… que es totalmente irracional; pues es el racionalismo… es como una de las… de las bases en las cuales se sienta… se sienta este Romanticismo; un movimiento que exalta las posiciones del individualismo; ese ser humano que se siente incomprendido ante ese mundo… de ese comercio, desprecio por la razón; esa fascinación por la naturaleza; y explicó que tengo que… tiene el Romanticismo con el oscuro, con la noche, con la muerte. Pensemos, vuelvo a lo mismo, a *La Sylphide*: el primer acto que surge a la luz del día, en la aldea, todo divino; y qué es el segundo acto… de la muerte, a la noche, en el bosque… como… ‘sex’… fantasía de lo oscuro. No es un arte fácil de cada movimiento, fácil de caracterizar, porque es muy distinto según el país y según la… el arte; por ejemplo, en la pintura, una cosa es algo malísimo en España, con Goya; otras cosas… esa en Alemania… y de derecha tiene como muchas variantes; pero en mil valles sí tiene un desarrollo bastante homogéneo, y tiene una fecha casi que de nacimiento; el lugar de nacimiento es la Ópera de París, y la fecha de nacimiento es el 12 de marzo de 1832; porque el 12 de marzo de 1832… porque es cuando se estrena *La Sylphide*. Ya había habido un antecedente antes de *La Sylphide*, que es como se menciona como el antecedente al Romanticismo, que era en una ópera llamada *Roberto el Diablo*; hay una escena que se llamó *El baile de las monjas*, que se representaba como una especie de convento en ruinas, y ahí pasa Marina Al Lyon en una serie de padres en puntas atravesando ese escenario, en esas ruinas de este convento, y eso genera como esa fascinación por eso que se vio que era como algo irreal, fantasmagórico, sin tener del todo claro que algo que sucedía… entonces, pero eso es una escena dentro… nao… pero entonces esa es como el antecedente. El coreógrafo de *Roberto el Diablo* es el padre de Marie Taglioni; lleva a ser el mismo coreógrafo de *La Sylphide*. Siempre digo… a tener un cuadro de ajo, amigo, debe ser lo mejor para un bailarín, porque bueno, te coreografía cosas que aún no le permite a lucirse, y eso es lo que hace Taglioni y con su hija después. Solamente vamos a hacer un curso especial… especial sobre el Romanticismo, donde vamos a… cómo entrar de lleno en este periodo… que acá le voy a dedicar 20 minutos… este Romanticismo; entonces también puede surgir porque la Ópera de París venía desarrollando varias reformas; terminada la era napoleónica y hacia 1830, terminada la restauración, la Ópera de París tiene un nuevo director llamado Louis Véron, con V, que fue fundamental para que este…

Período. También se desarrollará. También sabemos que los directores de los teatros son importantes; pueden hacer cosas buenas o cosas muy malas. No es que sea la clave, pero son importantes y muy buenos. Y como esa idea de que quería hacer la ópera de París, el Versace, que la burguesía… pensemos que ya la nobleza no existe; entonces, lo que hay que hacer es atraer nuevos públicos. Y el público que atrae, quizá a la nobleza, va a conseguir de esa manera aumentar los aportes; va a tener una fuerte preocupación por la venta de entradas, porque esa no tiene el apoyo real que podría gastar, que siempre venía el dinero. Y para atraer a esta burguesía muy fuerte, muy influyente, muy poderosa, también va a generar espacios; como, por ejemplo, lo que se llamó el “día de la danse”, que era como en la parte de atrás de la ópera de París. Los que tenían mucho dinero y pagaban cierto dinero podían entrar mientras que las bailarinas se aprontaban, se cambiaban, se maquillaban; y en el entreacto, como a ver todo ahí. Entonces, era como un lugar donde también después se hacían negocios, se hacía lobby, se coqueteaba; pero también era para la ópera una forma de conseguir dinero.

Otra cosa importante que hace la ópera de París, que también es clave para que el romanticismo tenga el efecto que tiene, es invertir en mucha tecnología; invierte en la iluminación, hadas que permiten esas luces, hacer foco. Pensemos que lo importante es eso para crear esos mundos irreales, como el de las Willis o el de las Sílfides. Invierte en nuevas maquinarias para que las bailarinas vuelen; a las Willis, las cifras que se van volando en las Willis también volaban estas primeras versiones. Nuevos decorados, permitiendo la superposición de las escenografías, logrando ese efecto de profundidad. Y algo que es clave, que es que se comienza a apagar la luz de sala cuando vamos a ver un espectáculo. Imaginemos hoy que vamos a ver cualquier espectáculo con la luz de sala prendida; sale aspecto, no es el mismo, mientras que la luz al estar apagada queda como ese efecto de agua, y es como el que dicha por algo y se permite viajar y trasladarse a un mundo lejano de fantasía, casi que prohibido; que no quiero ni verlo, pero para acá lo puedo evitar. Quiero todas cosas, perdón; está buscando, contrata a la gente del público para que aplaudan en determinados momentos. Todos quizás hemos estado en lugares donde un hombre se habla vivir y todos aplauden. Bueno, él sabía que el público funcionaba más o menos así; entonces, para asegurarse en determinadas obras, contrataba a la gente, le pagaba. Hay algunos famosos que empezaban aplaudiendo al lugar y toda la gente seguía aplaudiendo.

¿Qué otra cosa se va a hacer en la ópera de París? En este momento van a surgir como la era de las grandes bailarinas, y acá las primeras: la primera es Marie Taglioni. Y eso, pero vamos a ver los recursos porque estás como para hablar muchísimo de ella. Marie Taglioni es la primera bailarina que se convierte en una mega estrella internacional. Se adjudica que esa es la primera en bailar en puntas; no es la primera bailar en punta, ya se bailaba en puntas, pero lo nuevo de Taglioni es cómo baila en puntas, cómo usa la punta, no con un fin de generar pirotecnia, de hacer una búsqueda, una pose queda, sino con este fin artístico de hacer con sus padres esa idea de que es una sílfide, que parece un ser que no pesa, un ser etéreo que flota en ese lugar también, y que antes de que fuese la bailarina, y después se decían que parecía casi enferma, y el cuerpo era deforme, que no tenía nada necesario para hacer una bailarina, no tenía ninguna condición para eso. Y bueno, entrenando, entrenando y entrenando, y cuando baila y decidimos en este baile de las sílfides, en un suceso que cuando se estrena La Sílfide se convierte en una como una locura, una locura. Yo siempre digo la gente ser bailado como lo dice; estaba en un café y Canadá como la pose de la sílfide que con esta comedia juguetona, media pícara, surge el verbo “estatilizar”, como esa idea de estar liviano como tal. Yo a Nietzsche se visten como esas, se queda como una manía de eso, y surge enseguida otra bailarina contemporánea y también rival, o para menos la prensa les presenta como rival, que es Fanny Elssler. Que para mí hablar que la trae el balón a la ópera de París porque del once cuenta que tener una estrella vende; o sea, que si hay una persona que la gente quizás no vio el ballet pero sí está esa persona, va a vender mucho. Se la convierte en estrella, después en el momento como que se le va de las manos de avión, y porque es súper poderosa y la quiere y la trae a Fanny Elssler, que es más joven, como para tener además dos bailarinas y generar desde la prensa estimular como esa idea de la rivalidad entre ellas. Pero son distintas, son bien distintas, porque Taglioni como esa imagen que tenemos del romanticismo, como en la bailarina súper lírica, súper etérea, mientras que Fanny Elssler representa más como la idea de la bailarina cachonda, la bailarina sensual, la que trabaja todo el tema de los torsos de una manera completamente distintas. Gotti, luego tiene que era uno de los dos libretistas de la de la ópera de París, el que participa en Giselle, por ejemplo; él decía que Taglioni era como una bailarina cristiana y Elssler era la bailarina pagana. En estos links que les gallega mañana con él, con el mail con las, y esos serán juntos dos vídeos que son del Royal Ballet que muestran un poco, que hacen como una reconstrucción y muestran un poco cómo bailaba Taglioni y cómo bailaba Elssler, por si quiero entrenar.

Esta es una era de muchísimas mujeres importantísimas: es el gran fan y Cerrito, Carlotta Grisi, que es la primera que hace Giselle como la estrella de su ser, y ya con Carlotta Grisi se dice como que también está en otro lugar la técnica, porque una misma bailarina que está también imparte como la dificultad de Giselle, tiene que ser al mismo tiempo en el primer acto una mujer más real, más carnal, mientras que en el segundo acto pasa a ser ese ser suspendido fantasmagórico que son las jubilaciones. El segundo acto cambia, las historias cambian, se abandona esas comedias más sencillas, amorosas, romanticonas por temas como más profundos de amores escuchados y temas muy humanos: la traición, la culpa, el arrepentimiento; ¿quién no ha vivido algunas de estas cosas? La tradición amorosa, todo eso apelando siempre a los sentimientos humanos. Pensemos en este break que entra al segundo acto con todo ese peso del arrepentimiento, pidiéndole perdón a esa Giselle; es existe el muy cristiana que lo perdona a lo largo de todo el ballet y finalmente le dice: “Ah, ya ándate con la otra, finalmente yo me voy para mi tumba natal”. Está así, pero, pero bueno, pero como esa idea, esos sentimientos, también esta idea de que las historias se hagan como más fuertes, más importantes, tiene que ver, gracia 1820, la ópera de París empezó a incluir, a contratar libretistas para que haga los libretos de la historia; esa gente importante de letras, gente importante de escribía novelas que también fuera parte de escribir las historias para darle como más profundidad y no quedar en algo tan simple. También hay otros como Taglioni y Filippo Taglioni, que él es maestro de ballet pero escribe La Sílfide; pero en general empieza entonces como a mejorarse eso.

Otra cosa va a caracterizar el romanticismo en el ballet: los ballets románticos, en el que todos los bailes de románticos son cortos, por lo general duran una hora, 10.000 a 20 más o menos, y todos tienen dos actos: un primer acto que sucede en un lugar real, pero lejano y folclórico; que el romanticismo tiene eso como la fascinación por lo lejano. Pensemos en La Sílfide, que es en Escocia; que en 1830 para Francia, Escocia era como la Conchinchina, era lugar lejano. Entonces, se representa ese lugar, pero con esa idea como folclórica y como un poco anecdótica; Si se les en una aldea, en el valle, en un valle en Alemania, pero tampoco es lugar preciso y tampoco les interesa reconstruir históricamente ese lugar, pero son de lugares reales y las personas que bailan ahí son personas reales: son campesinos, son ciertos dos acá en la circuit, bailan con esas zapatos de taquito, esas danzas con ese acento abajo. Y entonces, en ese lugar terrenal, real, pero alejado; y los segundos actos son siempre en lugares irreales, habitados por seres irreales; son actos irracionales a sentir: es este mundo de las Willis, donde habitan estos seres fantasmagóricos; han dado el todo en las tablas; las Sílfides, que son estas alitas del bosque que se queda James prendado con una y se va detrás y se encuentra que son una cantidad y en el bien; si sólo tenemos este reino de las Willis, donde todas quienes son las Willis son mujeres muertas por una traición amorosa antes de su boda, que llegan ahí vírgenes porque puede antes de casarse fueron traicionadas, por eso tanto abbas como vestidas de blanco, como si estuvieran para su boda; y por eso odian a los hombres y los hacen bailar hasta morir; como le dice a Hilarión, que es el primero que muere, y después dedicada al abismo: “Vas a bailar hasta morir”. Y en este segundo acto de estos ballets románticos es donde surge los actos blancos; algo que después Petipa va a recurrir mucho en toda su ballet, que le vamos a dar la próxima clase. Surge en esta época; me voy apurando… en una nueva estética también muy asociada al nuevo vestuario: el famoso tutú romántico, que es ese tutú que es como una superposición de faldas hasta el tobillo, media media pantorrilla; eran en su momento de muselina, después de gasa o de tul; que la idea es tener esa superposición de telas tan finas, al saltar la bailarina van acompañando con ella está su movimiento, guía, estimulan y crean esta idea de lo fantasmagórico o eterno; un traje que se tomó de la moda que había hacia 1820 en los salones, van con esas especies de polleras y después fuese un socio tipo de equipo para las clases; si vemos los cuadros de Degas, que son de mil ochocientos setenta y pico, ahí vemos a las bailarinas también, no es tan romántico que tú, pero como sí, porque son más cortos, pero sí inspirado en esto.

Otra gran innovación, pero fundamental en esta época, es que surge las zapatillas de punta; se empieza a bailar en puntas de esta manera, se comienza a vencer la gravedad y a lograr esta sensación de que las bailarinas flotan, como decíamos. El romanticismo cambia el fin con el que se usa la danza, no de impresionar, dino sino de emocionar, de generar eso de “guau, qué increíble”. La técnica de Blasis es fundamental, como decía hoy para lograr esto, y además con estas zapatillas que además vieron como después no eran como unas cocinas, pan, tus fritos, sobrecitos, que lo que hacían reforzarlo un poco el empeine, la punta, no son las almohadillas que vienen hoy de puntas, que algunas se hace que es difícil siempre verla con puntas, pero hoy hay como toda una tecnología desarrollada que permite mucho más sostenerse que lo que eran estas zapatillas. Con este desarrollo de la punta también se comienza a diferenciar la manera irreconciliable la técnica y el entrenamiento de las mujeres que de los hombres, porque se surge las zapatillas de punta y empiezan a bailar las mujeres de punta. Pudieron haber bailado los hombres de punta; los hombres pueden bailar en puntas en la compañía al ballet de Trocadero que bailan impresionante los hombres en punta; las que no se puedan sino que por el estilo los hombres no suelen bailar en punta. Entonces, al tener las mujeres este nuevo implemento en el que tienen que bailar, se comienza a diferenciar la formación y los entrenamientos por sexo.

Otra característica de estos ballets románticos y en esta época es el nuevo rol que tiene la mujer; la mujer va a ser la protagonista de los ballets; La Sílfide, Giselle; después de la era de Pep, y para eso sigue la mayoría de los ballets están bailados por mujeres. Y yo les decía que en un primer momento cuando las mujeres no bailaban a la sociedad arios a la corte de los 14, los hombres se vestían de mujer para bailar; acá va a pasar al revés, son las bailarinas las que se travisten de hombres, porque se veía al hombre como un ser muy grotesco, muy nada, como demasiado musculoso, demasiado fornido. Hay una cita de este poeta del romanticismo que dice: “No hay en el mundo cosas tan abominables como un hombre que exhibe su puesto encarnado, sus enormes brazos musculosos y toda su pesada osamenta viril sacudido por saltos y piruetas”. Entonces hay como eso declaró que el hombre es poco quien no está bien bailar; entonces, con las mujeres bailaban de hombres, suavizando ese estilo manía de ayudar; por ejemplo, era famosa porque ella bailaba con su hermana Teresa, que Teresa siempre hacía como del partenaire de Taglioni.

En este romanticismo, otra cosa que es importante y por eso también nos ha llegado tanto al romanticismo es el primer movimiento a la danza que se internacionaliza; porque se internacionaliza por muchas cosas: por un lado, porque todas estas bailarinas, Taglioni, Grisi, Graham, viajan muchísimo bailando; el sea, bien EEUU, unas cuantas veces a Cuba, de Rusia, se recorren toda Europa bailando. Entonces, eso conmociona a mucha gente; no es solamente siendo la ópera de París, pero voy a la banda sino que bailan por todos lados. Además, la ópera de París, para asegurarse como ingreso, ya sabes cómo mantener cierta fidelidad a los repertorios, empieza a aprender las partituras; algo grande nos decía entonces: bueno, un compositor de Rusia, bien a Francia, compré la apertura y baila esos mismos salones, se mantiene esa esa unidad; porque si no, como puedes como era venía uno escuchaba la música y le pedí a otro que le compusiera algo más o menos así. Al hacer esto, la ópera de París se como que se extiende, pero parejo el estilo, no como un cambalache según el lugar. Además, surgen toda una serie de litografías; acá les muestro algunas que de este período que construyen como esa idea de lo que es el ballet romántico. Acá tenemos a Taglioni, a las sílfides; estas se imprimen en estas pinturas, algunas biografías, otras, y se imprimen y se ven y están por todos lados; llegan a todos los países, seguramente a nuestros países de América aparecían estas imágenes. Entonces, ya la gente escucha de hablar ballet, pero a su vez ve en algo una imagen; aquí lo asocia. Esta tenemos acá a Marie Taglioni, y acá tenemos esa escena de las poses y está tan así; acá tenemos a Fanny Elssler con esa pose más seductora, con todo ese movimiento de torso. Ahora tenemos sacarlo, está difícil el teaser; estas imágenes son importantísimas porque, como les decía, ayuda a eso debe encarnarse.

Analizar la música: cambia en el romanticismo como la idea es que la danza sea la protagonista; se considera que la música tiene que ayudar a contar la historia. Muchos hablan de una música parranda, como una música de cierta forma también se hable, y que intentaban como ser más expresiva. Para mí hay una acción que por lo menos es un buenazo mío, pero terminan y me dicen: “¿Vieron en la escena de la locura de Giselle cuando dice que está loca no sé qué, que para saber que para cada quedará la espada y que está entre que reconoce a las personas y después alucina que pueda pasar las sílfides, no sabe bien qué le pasa y al final de esa casi de esa escena cuando ella está como por morir, cuando ella mira a todos y como que los mira y no los reconoce en un momento Hilarión la garra y le dice para un poquito como tipo soy yo la gana la hice allá está tu mamá y ella como cuando hace contacto visual con la madre es como quizá ser uno de los últimos, el último momento de lucidez y ella va hacia y para mí en ese momento como gran música grita bueno deslizado para y se encuentra con la madre y salta hacia la derecha para caer muerta; nada, eso me puede salir siempre como trabaje porque quiero encontrarle esto que estoy diciendo, pero como que hace ese contacto, que la música es muy expresiva, porque de cierta forma la música tenía que crear esto”.

Ya voy terminando diciendo esas cosas: los espectáculos de ballet no eran como hoy los tenemos en nuestra cabeza, en el sentido que nosotros pagamos una entrada y vamos a ver un espectáculo como a la silbido Esther, una hora y 20, y vamos a ver solamente eso; vamos a ver eso, después nos vamos a cenar con una viga, lo que sea. Acá los espectáculos solían durar tres o cuatro horas y eran una serie de mezclas de óperas y de ballets; por ejemplo, cuando se estrena Giselle, la misma noche se baila entra el tercer acto de una ópera de Rossini. Entonces había como si siempre elegía como un espectáculo del ballet o la ópera era el principal o la ópera, si esa noche era el estreno de Giselle como estreno como muy anunciado, se invitó a la prensa antes como que éste generó la expectativa para que la gente después de haberlo, el centro del ballet, pero se presentaba ópera a veces antes y al final, o a veces o antes o al final, no era una era una nueva uno y sólo verbales que eso es algo que vamos a ver que lo hace Petipa después en Rusia. Si vemos [Música] que con caminos y en el romanticismo y decíamos que el nacimiento era en el 32 con su cel con La Sílfide, en el 41 se estrena Giselle, como otro ballet. Giselle es un ballet que ha sobrevivido hasta hoy en día con infinitas adaptaciones y cada coreógrafo le pone una modificación y es un ballet que más allá de todas esas cambios me parece que mantiene un poco este espíritu romántico, pero no es un ballet que se haya mantenido como puro estado como tal cual como se estrena.

Un francés resurgir pasaron dos cosas: por un lado, la versión que bailaba de la ópera de París se dejó de bailar en un momento, se dejó de bailar y se perdió; no estaba filmada, obviamente, porque no existía filmar y no había como escritos y coreográficos sobre cómo era la versión. Y el otro día tuvimos un vivo con Maxi Iglesias, bailarín del Colón, cuando hablaba de que yo bailaba la versión francesa, que la que es es una reconstrucción que Pierina Kot que fue un gran maestro bailarín francés, esta versión original que bailo Leoni, pero como hicimos es una reconstrucción, no es la original, pero esa es una versión que se baila muchos lugares; el teatro Colón es una ópera de París, en otros lugares la versión francesa. Pero también hay otra versión que es la versión danesa, que la historia bastante parecida, a la misma historia, pero cambian muchas cosas; cambia un poco el estilo, cambia algunas cosas de la concepción y sobre todo cambia la música, y está y quiero como mencionar esto porque uno de los que ve La Sílfide y se fascina con Taglioni, fascina con la obra es August Bournonville, que era un bailarín francés, el estudiado también con Vestris, será parte de lo que estudiaban en Francia que se vuelve a Dinamarca, suena marca natal y le pin y donde se queda encargado del ballet allí y le piden que cree una coreografía y elvin la obra. Y bueno, y lo que va a hacer es crear La Sílfide; como él no le alcanza la plata para comprar una mayonesa que vendían las partituras, con Juan de alcanzó el dinero para comprar la partitura francesa, le pide a un compositor danés que le componga una música más o menos como el que recordaba que era la música que haya escuchado y ahí sí se crea una versión que es la versión de Bournonville y la han visto bailar en algún lado quizás, si se ha mantenido casi que intacta desde este que se baila en 1836.

Para terminar, decir con esto que hasta ahora veníamos, ¿qué país es el centro? No siempre es el centro. Desde que Bournonville se instalan Dinamarca, vamos a ver que durante todo el período de acá en adelante y mientras que tenemos con Petipa, Dinamarca va a ser como un lugar, es a estas discos de Europa, no tiene tanto contacto, entonces va generando un estilo de bailar donde muy particular, un estilo donde se le da mucha, da mucha importancia al hombre; por favor, no viniera bailarina muy buen bailarín. Entonces, en sus coreografías incorporaba muchas danzas de hombres, donde se baila con todo el torso muy quieto y con los brazos muy abajo, y es un trabajo enorme, fuertísimo de saltos de xixón, para adelante, para atrás, con la misma energía que van, vuelven, donde no se debe demostrar nada el esfuerzo, con muchos cambios muy rápido y sutil. Y Dinamarca se va a convertir como en un lugar de referencia para la danza más masculina sobre todo. Yo siempre cuento que cuando el juego siempre se va de la Unión Soviética, lo primero que él es consciente de su falta de técnica, lo primero que hace es ir a Dinamarca, pero estaba fascinado con el boom que es porque nos van a hacer pareja, pero él dice: “Yo quiero aprender con quién es para mí el mejor bailarín, Julio Bocca”. Después también en un momento se siente que su técnica no es tan buenas, en Dinamarca a pulirla; pero bueno, va a ser en esta época del romanticismo que Dinamarca se posiciona como un como un lugar para el hilo a Francia independiente por la falta de nexo de continuidad y no es que le compita ópera la ópera de París, porque la ópera va seguir siendo el centro de Europa; estos están como lejos, pero si logran un desarrollo que es como muy importante independiente y que se ha mantenido muy muy como cruzar tradición hasta hasta hoy en día.

Entonces, bueno, terminé diciendo que este ballet que surge en Italia o en Francia, depende donde quiera que es el origen del ballet, son esas danzas cortesanas o es cuando comienzan a hacerse los pasos tal cual los conocemos; comienza a avanzar, a surgir nuevos pasos, me va a tener nuevas técnicas, nuevas formas de bailar, sube al escenario con mis 14 y eso sale a otro paso, se construye a los teatros, las compañías especializadas; y con el romanticismo el ballet comienza a ser tal como lo conocemos: una obra completa; todo esto inspirado también por novela risa, idea de contar una historia de emocional, de apelar a los sentimientos; y Francia es el centro; después vamos a ver que Francia comienza a decaer en este papel como faro del ballet y va a comenzar a aparecer Rusia como el nuevo foco, pero eso lo que vamos a ver el miércoles a la misma hora en el mismo candil. Bueno, si quieren ahora no se metió ahí en el chat hay muchas cosas escritas porque no podía verlo, pero después me lo logramos; si quieren a decirles puedo de silenciar si alguien quiere decir algo, aunque esto puede llegar a ser un caos, pero bueno, está solamente si no los invitó a estar interesados que lo puede decir, si no los invito a que por Instagram o por Facebook será poner un poste ahora sobre esta clase y que ustedes también ahí se animen a comentar a aprovechar a los miro ahora guardo el set, pero después me lo pierdo ahí puedo ir respondiendo sus preguntas y además vean ideas para cosas que les interese saber que si yo sea se las comparto, gracias. Son ahora que de verdad muchísimas gracias, ya no se hayan habido entre 220, 250 personas y bueno, si les gusta la gracia, lo que sea, porque le manden a Green, lo comparten con quien quieran y bueno, gracias, muchas gracias.